20 Mejores Bandas Sonoras de Todos los Tiempos

20 Mejores Bandas Sonoras de Todos los Tiempos

La revista Rolling Stone celebra la poderosa conexión entre el cine y el rock & roll en su reciente artículo sobre las «101 Mejores Bandas Sonoras de Todos los Tiempos». Desde los icónicos movimientos de Elvis en Jailhouse Rock hasta la emblemática escena de Purple Rain con Prince y Apollonia, estas bandas sonoras han dejado una marca imborrable en la cultura pop. Según la revista, la selección incluye tanto álbumes creados con canciones originales, como el clásico Superfly, como compilaciones cuidadosamente curadas, al estilo de Quentin Tarantino.

Rolling Stone enfatiza que la lista no se limita a películas con críticas positivas; de hecho, algunas de las bandas sonoras seleccionadas pertenecen a películas modestas, pero que sobresalen en la música. Además, aclaran que se enfocaron en colecciones de canciones que funcionan de manera independiente, excluyendo partituras y musicales. Esta selección celebra aquellas bandas sonoras que logran ser grandes LP por derecho propio, trascendiendo las escenas para las que fueron creadas y ganándose un lugar en la historia musical.

Nosotros solamente vamos a reproducir las 20 BSO mejor valoradas por dicha revista, aunque si lo deseas, aquí puedes leer el artículo completo

20. ‘Magical Mystery Tour’ (1967)

La película fue un experimento fallido de los Beatles, una mezcla improvisada de fantasías surrealistas inspiradas incluso por los sueños de John Lennon. Aun así, su banda sonora destaca como un clásico indiscutible del psicodelia pop, con temas inolvidables como I Am the Walrus, The Fool on the Hill y la canción homónima. En el Reino Unido, fue lanzada como un doble EP de seis temas, mientras que en Estados Unidos, Capitol Records sumó sencillos legendarios como Strawberry Fields Forever y Penny Lane, creando un LP que conecta el espíritu de Sgt. Pepper’s con el Álbum Blanco.

 

19. ‘Boogie Nights’ (1997)

La banda sonora de Boogie Nights mezcla a la perfección éxitos de los setenta y principios de los ochenta en un «mixtape» que acompaña las elegantes tomas de la película. Temas como Magnet and Steel de Walter Egan y Machine Gun de los Commodores evocan nostalgia en aquellos que crecieron escuchándolos en la radio del auto familiar. Algunos de estos temas, como Sister Christian de Night Ranger, han quedado tan ligados a la película que es imposible no asociarlos con sus escenas más intensas. La banda sonora abre con Mark Wahlberg, como Dirk Diggler, interpretando su torpe Feel My Heat, capturando el extravagante estilo de la era.

 

18. ‘Easy Rider’ (1969)

Dennis Hopper eligió las canciones para Easy Rider inspirado en la música que sonaba en la radio en 1968, creando una banda sonora innovadora con temas de rock biker de Steppenwolf, rock campestre de los Byrds y el himno If 6 Was 9 de Jimi Hendrix. Cuando esta película de carretera de bajo presupuesto se convirtió en un éxito sorpresivo, su música libre y fluida se volvió clave para su éxito y leyenda. Con buen ojo, Hopper ordenó las canciones en el álbum en el mismo orden en que suenan en la película, consolidando su papel como un DJ de instinto único.

 

17. ‘This Is Spinal Tap’ (1984)

Ninguna película ha capturado la absurdidad de la vida del rock como This Is Spinal Tap, y su autenticidad se debe en gran parte a los detalles musicales acertados. Christopher Guest, Michael McKean y Harry Shearer convirtieron a Spinal Tap en una banda real, mostrando su evolución desde un grupo británico estilo British Invasion (Gimme Some Money), pasando por la psicodelia de los sesenta (Listen to the Flower People), hasta el rock boogie de los setenta (Big Bottom, Sex Farm) y su fase de metal conceptual (Stonehenge). McKean definió el tema de apertura, Tonight I’m Gonna Rock You Tonight, como un «hard rock con un toque de shuffle» que exalta la «asombrosa hombría del cantante».

 

16. ‘Goodfellas’ (1990)

Nadie supera a Martin Scorsese en el arte de contar historias a través de la música. Él definió la banda sonora de rock como la conocemos en películas crudas como Mean Streets y Who’s That Knocking at My Door?, aunque su obra maestra en selección musical es Goodfellas. Esta historia de crimen se despliega canción tras canción: Layla como elegía para gánsteres caídos, Then He Kissed Me para el romántico paseo por el Copacabana, Gimme Shelter como himno del auge del narcotráfico y Ray Liotta en un frenesí paranoico pasando de Harry Nilsson a Muddy Waters. Scorsese seleccionó cada canción, sin un supervisor musical, planeando toda la música dos años antes de filmar.

 

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15. ‘Trainspotting’ (1996)

La película indie Trainspotting fue un éxito en 1996, capturando el auge del pop británico y, en palabras de algunos críticos, el atractivo de Ewan McGregor. La historia de adicción y desolación de sus personajes se desarrolla al ritmo de rock y techno, con temas que van desde el humor de Mile End de Pulp hasta el intenso Born Slippy de Underworld. La película transforma clásicos: Perfect Day de Lou Reed se convierte en un canto fúnebre, mientras que Temptation de New Order da vida a un romance que surge en la pista de baile. Lust for Life de Iggy Pop se llena de una energía frenética en la icónica escena de persecución mientras McGregor pronuncia su monólogo choose life. Como dijo el director Danny Boyle en 2017, “Solo pusimos nuestras canciones favoritas, vimos que funcionaba, y a todos les encantó”.

 

14. ‘Pretty in Pink’ (1986)

Incontables adolescentes sensibles han llorado con los créditos finales de Pretty in Pink, tarareando If You Leave de OMD y preguntando entre sollozos: “¿Por qué, Molly? ¿Por qué?” A diferencia de las típicas películas adolescentes de los ochenta, llenas de música pop sin sustancia, John Hughes reunió aquí lo mejor del New Wave. Es un recorrido de tristeza y melancolía, con canciones de Echo and the Bunnymen, New Order y The Smiths, la banda sonora perfecta para el corazón roto de Duckie. El título del filme proviene de la canción de 1981 de Psychedelic Furs, cuya regrabación para la película se convirtió en un gran éxito global.

 

13. ‘O Brother, Where Art Thou?’ (2000)

La banda sonora de O Brother, Where Art Thou? logró un inesperado triunfo al alcanzar el primer puesto de las listas con una selección de baladas de la época de la Depresión, en pleno auge del nu metal y las boy bands. Esto se debe no solo al buen gusto musical de los hermanos Coen, sino también al productor T Bone Burnett, quien orquestó uno de sus mejores trabajos. Con canciones de bluegrass, country, folk, blues y espirituales, muchas de la época del cine mudo, Burnett dio vida a estos temas con interpretaciones de músicos contemporáneos. Alison Krauss brilla con su dulce voz en un elenco que incluye a Emmylou Harris y Gillian Welch, pero es Ralph Stanley quien roba la escena con su estremecedora versión a cappella del espiritual O Death.

 

12. ‘Rushmore’ (1999)

Wes Anderson inicialmente pensó en que la banda sonora de Rushmore consistiera únicamente en canciones de The Kinks, pero, con todo respeto, eso no hubiera sido tan efectivo. Junto a la deliciosa Nothin’ in the World Can Stop Me Worryin’ ‘Bout That Girl, se incluyen joyas menos conocidas de la invasión británica, como Making Time de The Creation, así como jazz melancólico (como Blinuet de Zoot Sims), pop de la época (como Here Comes My Baby de Cat Stevens) y algunos de los instrumentales más sabrosos de Mark Mothersbaugh, ex Devo. La selección musical refleja la evolución de Max Fischer, interpretado por Jason Schwartzman, desde las dulces notas de A Summer Song de Chad y Jeremy, mientras intenta conquistar a la maestra viuda de Olivia Williams, hasta el espíritu rebelde de A Quick One While He’s Away de The Who, en una escena de venganza contra el industrial Bill Murray.

 

11. ‘That’s the Way of the World’ (1975) – ‘Así es el Mundo’

Dirigida por el productor de Super Fly, Sig Shore, That’s the Way of the World no ha envejecido bien como película, aunque su banda sonora ha perdurado con fuerza. Este álbum, que alcanzó tres veces el platino, es una obra maestra del soul-funk que le dio a Earth, Wind and Fire su primer gran éxito con Shining Star y marcó el inicio de su periodo más creativo. Con melodías alegres, armonías exuberantes y la distintiva kalimba de Maurice White, la banda sonora brilla por su innovación y profundidad funky. Aunque el breve tiempo que EWF aparece en pantalla puede no ser recordado por muchos, aún interpretan Shining Star, That’s the Way of the World y Reasons casi 40 años después.

 

10. ‘Wild Style’ (1983)

Wild Style fue un hito en una época en la que apenas existían álbumes de hip-hop, y mucho menos bandas sonoras. La película, que sigue a un joven grafitero de Nueva York interpretado por el artista real Lee Quiñones, ofrece una visión temprana de la cultura B-boy, destacando una subcultura que había estado gestándose en el Bronx durante una década. La película presenta a Grandmaster Flash dando una clase de DJ en su cocina, a Quiñones y otros creando arte pop en technicolor con spray, y a los pioneros del breakdance, Rock Steady Crew, mostrando su talento. También hay impresionantes muestras de habilidad de MC, como la batalla de rimas entre los Cold Crush Brothers y los Fantastic Freaks en la cancha de baloncesto, y el enfrentamiento entre Busy Bee y Rodney Cee en el Dixie, mientras que el cosmonauta excéntrico Rammellzee exhibe su estilo único en el clímax en el East River Park Amphitheater.

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9. ‘American Graffiti’ (1973)

George Lucas se inspiró en sus recuerdos de la California de principios de los años sesenta para crear una de las mejores películas sobre la adolescencia, que explora la resaca de los años cincuenta en América, justo antes del asesinato de Kennedy y la llegada de los Beatles, que hicieron añicos las ilusiones de la época. Las 41 canciones de la banda sonora aparecen en la película como música diegética, sonando desde estéreos de automóviles, elegidas en el jukebox de una cafetería o interpretadas en un baile por Herby and the Heartbeats. Este completo recorrido por el rock ‘n’ roll clásico (Fats Domino, Chuck Berry, Buddy Holly, Del Shannon) y el doo-wop (the Platters, the Flamingos, the Spaniels) se entrelaza con las transiciones al estilo de un programa de radio del DJ Wolfman Jack, una idea bastante posmoderna para 1973. Convirtiéndose en un éxito de ventas en los años setenta, el álbum doble de American Graffiti se estableció como un elemento básico en tiendas de segunda mano, ofreciendo a generaciones un curso intensivo sobre el pulso de América durante la era Eisenhower.

 

8. ‘The Graduate’ (1968)

El director Mike Nichols utilizó de manera brillante varias canciones de Simon and Garfunkel en su crónica sobre la alienación postuniversitaria, otorgando a la música pop de los años sesenta un lugar sin precedentes en un importante blockbuster de Hollywood. El veterano productor de Miles Davis, Teo Macero, supervisó la banda sonora, que combina canciones de S&G del filme, como Mrs. Robinson y April Come She Will, con música del compositor Dave Grusin, que incluye piezas como el alegre y kitsch Sunporch Cha-Cha-Cha. Una canción incluida en la banda sonora pero no en la película, The Big Bright Green Pleasure Machine, es una divertida sátira en la que Simon parodia un anuncio psicodélico. Además, la versión acústica de cierre de Sound of Silence es uno de los momentos más bellos del folk pop.

 

7. ‘Pulp Fiction’ (1994)

Nadie sabe evocar la amenaza velada, la absurdidad camp y la sensualidad de una canción pop como Quentin Tarantino, quien además transforma los clásicos de forma inolvidable. En su película, clásicos del surf como Misirlou de Dick Dale y Surf Rider de The Lively Ones adquieren una profundidad que va más allá de ser simples melodías playeras. “Tener Misirlou en los créditos de apertura es simplemente intenso”, dijo Tarantino en 1994. “Establece un desafío que la película tiene que cumplir.” En un guiño a Saturday Night Fever, You Never Can Tell de Chuck Berry se convierte en un ritual de cortejo inquietante. La canción Let’s Stay Together de Al Green adquiere un tono turbio cuando el gánster de Ving Rhames le ofrece un soborno al boxeador de Bruce Willis. La famosa conversación por intercomunicador entre John Travolta y Uma Thurman se carga de tensión erótica con Son of a Preacher Man de Dusty Springfield. Y la versión de Urge Overkill de Girl, You’ll Be A Woman Soon será imposible de escuchar sin imaginar a Thurman cantando, consumiendo heroína y cayendo muerta, aunque solo sea por un momento.

 

6. ‘Superfly’ (1972)

“No tuve que dejar mi vecindario para estar rodeado de las cosas de las que trata Super Fly”, dijo Curtis Mayfield sobre la banda sonora del clásico de blaxploitation dirigido por Gordon Parks, que sigue a un narcotraficante de Harlem que intenta reformarse. La canción principal —con su ritmo sinuoso y las voces psicológicamente incisivas de Mayfield— es un clásico indiscutible, al igual que otro éxito de la banda sonora, Freddie’s Dead, impregnada de wah-wah. Además, Pusherman (sampleada por raperos como Ice-T y Eminem) es una obra maestra de funk narrativo en primera persona, mientras que los instrumentales de estilo big band noir demuestran que Mayfield, ya venerado como uno de los más grandes cantautores de R&B, también era un compositor y arreglista excepcional. En general, Mayfield buscaba no solo acompañar la acción de la película, sino ofrecer otra perspectiva sobre ella. “Era importante para mí contrarrestar las imágenes”, explicó más tarde, “explicarlo de una manera que los chicos no lo interpretaran como un infomercial sobre drogas.”

 

5. ‘Saturday Night Fever’ (1977)

Pocas bandas sonoras han definido un género; esta lo hizo, y más. Lanzada en 1977, justo cuando el disco alcanzó su punto culminante de brillantez popular y falsedad comercial, la banda sonora combinó éxitos comprobados de clubes (como Disco Inferno de The Trammps y Open Sesame de Kool and the Gang) con una serie de canciones de los Bee Gees destinadas a su próximo álbum. Desde Stayin’ Alive y More Than a Woman hasta Boogie Shoes de KC and the Sunshine Band, los momentos culminantes de este álbum doble aún pueden convertir cualquier pista de baile en una olla hirviente de alegría y vergüenza. Con más de 15 millones de copias vendidas, se convirtió en la banda sonora más vendida de la historia hasta que The Bodyguard le robó el título.

 

4. ‘A Hard Day’s Night’ (1964)

Desde su estruendoso acorde inicial, A Hard Day’s Night se sumerge en un día típico de la vida alocada de los Beatles: perseguidos por chicas que gritan, tocando sus guitarras entre bastidores y compartiendo la sonrisa desinhibida de cuatro chicos de Liverpool que saben lo buenos que son y están ansiosos por mostrárselo al mundo. Más allá de ser parte de su exitoso debut cinematográfico, cada canción de la banda sonora de A Hard Day’s Night fue escrita por los Beatles. Esto incluye no solo la icónica canción titular, sino también el primer intento de John Lennon en la escritura de baladas con If I Fell, And I Love Her con su ritmo de clave, la mezcla al estilo de las girl groups Tell Me Why y el clásico Can’t Buy Me Love, que ocupó el puesto número uno durante la semana de 1964 en la que los sencillos de los Beatles monopolizaron el Top Five.

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3. ‘The Harder They Come’ (1972)

“Nadie lo querría”, recordó más tarde el director de The Harder They Come, Perry Henzell, sobre sus intentos de conseguir distribución para su historia de un aspirante a cantante de reggae atrapado por el crimen y la corrupción. “Nunca habían oído hablar de la música reggae y a nadie le interesaban las personas negras en Jamaica”. Sin embargo, la película se convirtió en un éxito de culto, con una banda sonora que definiría el reggae para audiencias globales. Jimmy Cliff fue la estrella tanto de la película como del LP, que incluía su recién grabada canción principal, además de gemas anteriores como Many Rivers to Cross. “La idea de que algo venga duro y caiga aún más duro, sabes, eso resonó en mí”, reflexionó Cliff sobre su papel como el héroe folclórico jamaicano Ivanhoe Martin, tanto en pantalla como en canción. Con temas como Pressure Drop de The Maytals, Rivers of Babylon de The Melodians y 007 (Shanty Town) de Desmond Dekker, el telón de fondo sonoro de la película sigue siendo la mejor mixtape de reggae jamás creada.

 

2. ‘Help!’ (1965)

La segunda película de los Beatles fue una comedia ligera ambientada en el Londres de los 60, pero la verdadera acción se encuentra en la banda sonora. Este álbum marcó un emotivo adiós a la dulzura de su estilo moptop, allanando el camino para la groundbreaking experimentación de Rubber Soul. Además, el álbum alcanza picos más altos que A Hard Day’s Night, incluyendo algunas de las canciones más asombrosamente grandes de los Beatles: la canción titular, You’ve Got to Hide Your Love Away, Yesterday y Ticket to Ride. Estas están acompañadas por el energético tema R&B de Paul McCartney, The Night Before, y melodías adorables como I’ve Just Seen a Face, una pista aún subestimada que suena como si Simon y Garfunkel intentaran hacer bluegrass. La versión estadounidense truncada incluía la banda sonora orquestal de la película en su segundo lado, por lo que los estadounidenses tuvieron que esperar hasta las reediciones en CD de los años 80 para escuchar lo que se estaban perdiendo.

 

1. ‘Purple Rain’ (1984)

En cuanto a la creación de mitos del rock & roll en el cine, Purple Rain no tiene comparación. En su esencia, es un melodrama ordinario sobre un músico en apuros con problemas amorosos, pero ese músico es Prince, en el apogeo de su histórica racha creativa. La trama gira en torno al Kid, quien escribe canciones de New Wave, R&B y funk psicodélico que cambiarían el mundo más allá de la pantalla: la obra maestra avant-pop sin bajo When Doves Cry, la intensa y desgarradora The Beautiful Ones, y, por supuesto, la épica Purple Rain. Con una fuerza cultural arrolladora, Prince pasó agosto de 1984 con la película número uno, el sencillo número uno y el álbum número uno. Gracias por este tiempo funky.

Estas colecciones de canciones han llegado a definir géneros, capturar momentos históricos y, en muchos casos, transcender la pantalla para convertirse en piezas icónicas por derecho propio. Al celebrar estas obras maestras sonoras, Rolling Stone nos recuerda el poder de la música para contar historias, evocar emociones y unir generaciones, reafirmando su lugar fundamental en el arte del cine.

Seguramente echas en falta muchas otras, o tu clasificación sería otra distinta, pero esta es solamente una muestra de las «101 Mejores Bandas Sonoras de Todos los Tiempos» publicada por la revista Rolling Stone

 

Fuente: Revista Rolling Stone

Alberto
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