Los 50 mejores discos de Rock de la historia

Los 50 mejores discos de rock de todos los tiempos

Nos hemos adentrado en los momentos más monumentales del rock para presentarte la lista definitiva de los mejores discos de rock de todos los tiempos.

Es un trabajo sucio, pero alguien tiene que hacerlo. Uno de los debates más reñidos de la historia, elegir los mejores álbumes de rock es prácticamente una tarea imposible. Todo el mundo tiene su favorito; ese álbum especial que los guió a través de los buenos y malos momentos de la vida, esa colina musical en la que están absolutamente dispuestos a morir. Ser objetivo es imposible: a todos nos importa demasiado la música que amamos para eso.

Entonces, al montar esta lista, optamos por lo más más democrático que pudimos: una votación pública. Le pedimos a la gente que votara por su álbum de rock favorito de todos los tiempos. Puedes agregar cualquier álbum que te guste.

El resultado es una lista que representa algunos de los viejos favoritos, pero también hay algunas sorpresas; álbumes que probablemente no habríamos asumido que llegarían al Top 50. Y ha hecho que los resultados sean mucho más interesantes.

Aquí presentamos una selección de 50 álbumes que realmente rompieron moldes.

 

Votación realizada para la revista loudersound.com

 

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50. The Clash: London Calling

 

El rock’n’roll más emocionante está hecho por personas de 20 años para personas adolescentes. Es como una nota deslizada debajo de las puertas de nuestro dormitorio por nuestros hermanos y hermanas mayores, que dice que todo estará bien: nos acostaremos, nos enamoraremos, nos drogaremos, nuestros padres no gobernarán nuestras vidas para siempre. The Clash nos dio todo eso, y mucho más. Porque, mientras estaban enamorados del ‘rock’n’roll woah’, y hacían música para chicos con Ford Cortinas y trabajos sin futuro, London Calling, Sandinista!  y Combat Rock son álbumes para adultos, álbumes que te llevas después de que la ira se calma, cuando empiezas a estar menos obsesionado contigo mismo y comienzas a mirar hacia el mundo.

El prestigio de London Calling comenzó a aumentar después de la revista Rolling Stone lo votó como el mejor álbum de los 80 en 1989 (la versión estadounidense del álbum se lanzó en enero de 1980).

 

 


49. Metallica: Ride The Lightning

 

Los profesionales de la industria de la música se refieren a él como el Síndrome del Segundo Álbum Difícil, la condición en la que un artista emergente irrumpe en el centro de atención con su primer álbum y luego descubre que, después de 18 meses de gira promocionando dicho lanzamiento, no tiene idea de qué hacer para un bis. . Con Ride the lightning Metallica no tuvo esos problemas.

El segundo álbum de Metallica es, sin duda, una obra maestra. En términos de composición, dinámica, maestría musical y profundidad lírica, Ride the lightning es un gran paso adelante de la cruda agresión de Kill ‘Em All, que podría ser el trabajo de una banda completamente diferente. Lo cual, en efecto, fue: cuando Cliff Burton y Kirk Hammett se unieron a la banda en el bajo y la guitarra principal, respectivamente, su álbum debut, salvo por el escaparate en solitario de Burton. Anaethesia (Pulling Teeth) – ya había sido escrito.

Con la excepción de ese notable solo de bajo, ninguno de los dos tenía un solo crédito como compositor en Kill ‘Em All: en comparación, en Ride the lightning, a Hammett se le atribuye la coautoría de cuatro de las ocho pistas y a Burton no menos de seis. La mejora resultante en la calidad es innegable. Pero luego también hay que recordar que en el momento en que grabaron Kill ‘Em All, los principales compositores de Metallica, James Hetfield y Lars Ulrich, tenían solo diecinueve años. Lee eso de nuevo: Diecinueve años.

 

 


48. AC/DC: Let There Be Rock

 

En enero de 1977, AC/DC ingresó a los estudios Alberts en Sydney y pasó dos semanas grabando lo que se conoció como Let There Be Rock. La banda estaba furiosa con su sello en los EE. UU., a quienes no les gustaba el disco anterior de la banda Dirty Deeds Done Dirt Cheap y estaban a punto de soltarlos.

“Siempre hubo una mentalidad de asedio en esa banda”, recuerda el bajista Mark Evans. “Pero una vez que todos nos enteramos de que Atlantic nos había derribado, la actitud fue: ‘¡Que se jodan! Estábamos seriamente enojados por eso. Íbamos a entrar y hacer ese álbum y metérselo por el culo”. El resultado sería el primer álbum absolutamente explosivo de AC/DC.

Desde el sonido de un Bon Scott bebedor de whisky que cuenta en la introducción del tema inicial Go Down, una canción sobre una amiga suya de la vida real llamada Ruby, conocida por su afición a «lamer ese palo», hasta el frenético final Whole Lotta Rosie, sobre otra amiga conocida por el palo del cantante, que «pesa 19 piedras», Let There Be Rock no se detuvo en sus ocho pistas de 40 minutos de duración.

Sonaba exactamente como lo que era. Escrito y grabado rápido, antes de que la vibra tuviera tiempo de desvanecerse, estaba lleno de sangre, saliva, ira y diversión, alimentado por speed barato y cerveza fría, rematado con whisky caro y al menos un millón de cigarrillos, algunos de ellos con un olor claramente «divertido».

 

 


47. Radiohead: OK Computer

 

Estos días siempre cerca de lo más alto de cualquier lista de los mejores discos de todos los tiempos, OK Computer es el álbum que llevó a Radiohead a la corriente principal, al tiempo que conserva la credibilidad del rock.

Combinando el progreso con influencias alternativas, crearon un estilo flexible, sutil y sensual. Esto no era Pink Floyd de fin de milenio, era original, visionario y brillante. Canciones como Paranoic Android y Karma Police lanzó un hechizo que impulsó a Radiohead a la liga de los estadios.

Un álbum de época que llamó el tiempo de la estrecha nostalgia coloquial del britpop, vendió millones y convirtió a Radiohead en superestrellas mundiales del angst-rock.

OK Computer no es la obra maestra impecable del folclore cariñoso, pero se mantiene extremadamente bien. Todavía suena rico, hermoso, misterioso, romántico, angustiado, barroco y emocionantemente experimental.

 

 


46. ​​Led Zeppelin: II

 

El 22 de octubre, menos de 300 días después de su primer álbum, Jimmy Page y compañía lanzaron Led Zeppelin II. Más pesado y con más textura que su debut Led Zeppelin I, superó con creces el éxito de su predecesor. Su sello, Atlantic, recibió pedidos anticipados de 400.000 copias, casi 10 veces más que led zepelín.

Alcanzó el puesto número 1 tanto en el Reino Unido como en los EE. UU. La revolución musical que habían comenzado ahora se había ido oficialmente a todo el mundo. “Ese álbum capturó la energía de estar de gira”, dijo Page más tarde. “Eso es lo que me gusta de él. Ese récord y el período que lo rodea parece ahora un maremoto”.

Escrito durante la gira y grabado en una variedad de lugares remotos (Londres, Nueva York, Los Ángeles, Vancouver), sus cintas guardadas en un baúl de vapor, Zep II comprende el primer conjunto de canciones que Page escribió con la banda en mente.

Whole Lotta Love envuelve la tradición del blues en una innovación que rompe los límites, su riff primario que presagia los años 70 conserva su poder fundamental y su sección media cargada de efectos y free jazz aún asombra. La canción pronto se convertiría en su himno en el escenario, encabezado por el riff de guitarra distintivo y tartamudo de Page que más tarde cambiaría la cara del rock para siempre.

El disco está brillantemente estructurado. Ramble On se burla con una apertura de ensueño antes de explotar en la vida. Y si sus letras con referencias a Tolkien sobre Mordor y Gollum avergüenzan a Plant hoy, no debe preocuparse demasiado. La canción no es nerd ni adolescente: está impregnada de obscenidad y arrogancia como el mismísimo The Evil One. Bring It On Home más tarde resultó que tenía una vaga relación con una canción de Willie Dixon grabada por Sonny Boy Williamson. Dixon obtuvo su crédito, pero solo la introducción y el final, con la sensación de un atasco nocturno suelto, todas las letras y la armónica murmuradas, tienen alguna relación con el original. Es un final de bravura para uno de los mejores álbumes de rock jamás realizados.

 

 


45. Iron Maiden: Seventh Son Of A Seventh Son

 

Para muchos fans de Iron Maiden, Seventh Son Of A Seventh Son su séptimo álbum de estudio, lanzado en 1988, es el disco más grande que la banda haya grabado jamás. Otros no estarán de acuerdo, por supuesto, pero incluso ellos aceptarían que es una de las joyas más brillantes del vasto catálogo de la banda que incluye una gran cantidad de gemas.

Es la guinda del pastel de una carrera de ocho álbumes, comenzando con su debut homónimo en 1988, que aún no se ha mejorado en la historia de la música pesada, y muy probablemente nunca lo hará.

En retrospectiva, es difícil ver cómo Maiden podría haber llevado su estilo más allá de lo que hicieron en el album Seven Son, e Infinite Dreams, The Clairvoyant y Can I Play With Madness  están entre las mejores pistas que Maiden ha grabado jamás, y algunas otras en este álbum no se quedan atrás. Después Seven Son se despidió el guitarrista Adrian Smith, llegó su reemplazo Janick Gers, y las cosas para Iron Maiden cambiaron irrevocablemente.

 

 


44. The Who: Who’s Next

 

Otra banda clásica cuyos álbumes nunca obtienen puntajes tan altos en encuestas como esta como podría pensarse, The Who posiblemente sea más querido por su extraordinaria serie de sencillos de los años 60 que por sus larga duración. Lo cual es extraño, porque a) han hecho algunos álbumes clásicos y b) Pete Townshend es un hombre lleno de grandes ideas.

Baba O’Riley y Won’t Get Fooled (este último lanzado en una edición de un sencillo que generó problemas en las listas de éxitos) se mantienen firmes por sus propios méritos y, como complemento del álbum, han llegado a definir a la banda en su mejor momento. Baba O’Riley el sintetizador vibrante y la introducción tratada con órgano anunciaron otra actuación estimulante. Los gritos de Daltrey de «teenage wasteland» parecen un auténtico llamado a las armas.

“No se puede comparar a The Who con los Stones o Zeppelin”, dice el productor Glyn Johns. “Todos son completamente diferentes. The Who es una combinación de tres músicos extraordinarios: la combinación de Entwistle, la extravagancia de Moon y Pete Townshend no se parece a nada que haya escuchado. Nunca se discutió, era solo la química musical entre ellos y el nivel de energía.

«Era peculiar para ellos, junto con la voz de Roger Daltrey, que ciertamente contribuyó a la energía y el poder de la banda. Y la guinda del pastel fue el material de Townshend, que fue completamente extraordinario».

 

 


43. The Who: Quadrophenia

 

Llegando con fuerza después del abortado proyecto Lifehouse de Pete Townshend, se suponía que iba a ser su momento definitorio de los 70, una ópera rock para superar todo lo que había pasado antes. «Si tommy es ópera rock, Quadrophenia es una gran ópera rock”, dice Richard Barnes, asociado de toda la vida de Townshend y biógrafo de The Who. “Si Tommy es un tabloide, Quadrophenia es un periódico de gran formato. Creo que Pete llevó a The Who a otro nivel con ese disco”.

Es un trabajo complejo y tremendamente ambicioso que se refleja en la música misma. Guitarras vibrantes y grandes voces son atemperadas por arreglos de metales, cuerdas semi-orquestales y capas intrincadas de sintetizadores y piano. “En ese momento, Pete y yo nos escribíamos y yo solía llamarlo Tannhäuser debido a Quadrophenia”, dice Barnes. “Lo cual fue apropiado porque suena muy wagneriano con esos cuernos. Puedes imaginarte a estas señoras grandes y gordas con cascos, montando Vespas. Es un álbum pesado, de rock duro, pero hay fragmentos muy delicados con violines y sintetizadores. Pete tiene un toque tan delicado. Es como porcelana y hormigón armado uno al lado del otro”.

Quadrophenia es la última aparición en el catálogo anterior de The Who. Un disco sobre la década de 1960, grabado en el proggy fug de la década de 1970. Incluso dado su contexto de cultura de nicho bastante específico en el tiempo, todavía se siente extrañamente significativo hoy. Son canciones que penetran profundamente en el malestar espiritual; Grandes epopeyas arrebatadoras en las que perderse o estrechar el puño.

 

 


42. Nirvana: Nevermind

 

Nevermind no es solo un disco de gran venta; ha habido mucho más grandes. Ni siquiera es solo un conjunto icónico de canciones. Con las 12 canciones del álbum, Nirvana definió una generación y, al hacerlo, estuvo lo más cerca posible de revolucionar el concepto de rock’n’roll en los años 90. Además, aparentemente salió de la nada. Lo que el trío de Seattle (vocalista/guitarrista Kurt Cobain, bajista Krist Novoselic y el nuevo baterista Dave Grohl en lugar de Chad Channing) había hecho antes (actitud punk combinada con despreocupación de garaje) había sido impresionante. Pero con Nevermind realmente elevaron su juego.

Lo que ha hecho que Nevermind sea posiblemente el lanzamiento más importante de esa década son las canciones. Eran intransigentes. Kurt Cobain escribía sobre su momento, pero también sobre todos nuestros momentos. Su «secreto» estaba en hablar directamente consigo mismo. Al igual que Axl Rose en Appetite For Destruction, de Guns N’ Roses, cuatro años antes, Cobain no se dirigía a las masas desheredadas, sino que las atraía a su mundo. Aquí estaban sus agonías, sus dudas, sus frustraciones, sus rabias, pero abiertas para que todo el mundo las viera.

Smells Like Teen Spirit no es sólo un himno para la Generación X, también es una expresión de autodesprecio e incertidumbre. Esta canción definió a una generación hace más de veinticinco años y sigue siendo casi perfecta. Puedes negar tu amor por el inicio de Nevermind todo lo que quieras, pero cuando Smells Like Teen Spirit entre en acción y no la hayas escuchado en un tiempo… te dará un escalofrío. Garantizado.

 

 


41. Van Halen: Van Halen

 

Casi 40 años después, el álbum de debut de Van Halen no ha perdido nada de su brillo ni de su importancia. Antes de él, el hard rock corría el serio peligro de volverse aburrido y sin vida. Después, todo grupo de rock que se precie lo citó como piedra de toque. No es sólo uno de los grandes álbumes de debut, es uno de los grandes álbumes en toda regla. Su incomparable sonido y su valiente actitud resonaron a lo largo de los años 80 y más allá, y su éxito revitalizó no sólo el Sunset Strip, sino escenas similares en todo el mundo.

Este nuevo sonido quedó mejor ilustrado en la versión del clásico de The Kinks You Really Got Me. Una canción que habían versionado durante años en los clubes, adquirió nuevas dimensiones en el estudio. Los tonos de guitarra eran monstruosos y majestuosos al mismo tiempo. Sacando sus Marshalls vintage y conectando su Stratocaster, Edward dio un primer vistazo a lo que llamaría su «sonido marrón».

Puede que Roth no tuviera la voz más perfecta del mundo desde el punto de vista técnico, pero en última instancia, lo que elevó el álbum fue el propio Edward Van Halen: el guitarrista redefinió el vocabulario mismo de lo que podía hacer un guitarrista de rock. Si hubo un tema que situó instantáneamente al guitarrista en el panteón de los grandes fue Eruption, su espontánea obra maestra instrumental de tapping a dos manos. En ella se mostraba una técnica que inicialmente desconcertaba y finalmente hipnotizaba a todos los guitarristas que la escuchaban.

 

 


40. Beach Boys – Pet Sounds

Históricamente, Pet Sounds nunca se ha tomado tan en serio como Blonde On Blonde de Bob Dylan o Revolver de los Beatles. Tal vez esto se deba a que los Beach Boys carecían de la ventaja contracultural de Bob Dylan y los Beatles, o tal vez tenga algo que ver con su portada literal y sin arte. Pero eso era entonces. En 2017, Pet Sounds se considera no solo igual a esos discos sino, en algunos sectores, su superior. Ciertamente, junto con el también rompedor single Good Vibrations, que le siguió cinco meses después, trazó una ambiciosa hoja de ruta para el futuro del rock.

Pet Sounds fue un acto sostenido de creación compleja, en parte obra de ambición orquestal, en parte álbum protoconceptual. Una crisis nerviosa en un vuelo entre Los Ángeles y Houston en diciembre de 1964 llevó a Brian Wilson a reorientar sus energías, pasando de las giras y la promoción a las actividades más placenteras de la composición y el potencial ilimitado del estudio de grabación.

Las canciones resultantes – Wouldn’t It Be Nice, Don’t Talk (Put Your Head On My Shoulder), I’m Waiting For The Day, God Only Knows, I Just Wasn’t Made For These Times, Caroline, No – eran miniaturas perfectas de la maravilla de los himnos, que expresaban con claridad devocional las ansiedades y los anhelos de un adolescente a punto de alcanzar la agonizante madurez.

 

 


 

39. Metallica: …And Justice For All

Dejando a un lado las leyes obvias (es la última vez que mencionamos que Jason Newsted no toca el bajo), en 1988 Justice fue recibido mayoritariamente con entusiasmo por los fans y la crítica, alabado por la musicalidad desplegada en las laberínticas estructuras de las canciones, los vertiginosos cambios de Blackened y la canción principal, una extensión lógica de temas anteriores como Master Of Puppets. Y para los discípulos del riff es el cielo de los cerdos, cada canción es un torrente de motivos memorables.

Los momentos más débiles ocurren cuando To Live Is To Die se arrastra al principio y Harvester Of Sorrow se complica, y Dyer’s Eve carece de las melodías duraderas de thrashers anteriores como Damage Inc, pero cada uno tiene elementos redentores, y el alto calibre de lo que se ofrece gana en general.

Justice marcó el momento en que Metallica, tras sobrevivir a la trágica pérdida de su bajista Cliff Burton, entró en la gran liga, tocando en estadios y entrando en el Top 10 de Billboard. Esta inmersiva colección capta la emoción de una época que a veces se pasa por alto entre sus picos gemelos de Master Of Puppets y el Black Album.

 

 


 

38. Megadeth: Rust In Peace

Algo mágico le ocurrió a Megadeth cuando Dave Mustaine y David Ellefson unieron sus fuerzas con el guitarrista Marty Friedman y el batería Nick Menza.

Rust In Peace es uno de esos álbumes: una obra maestra sin defectos evidentes, sin un ápice de relleno o flacidez y con algunos de los momentos más obscenamente emocionantes de toda la historia del metal grabado. Holy Wars… The Punishment Due, Hangar 18 y Tornado Of Souls pueden ser los momentos más destacados, pero todo el disco sigue saltando de los altavoces 26 años después, sonando supremamente arrogante y asombrosamente poderoso.

Pero más allá de su sagrado contenido, Rust In Peace es una obra seminal porque actualizó por completo el vocabulario sónico del metal, elevando heroicamente los niveles de precisión, tecnicidad y suscitación compositiva y dando el pistoletazo de salida a los años 90 con una explosión sostenida de salvajismo inmaculado y vanguardista que sigue haciendo temblar el mundo del metal en la actualidad.

 

 


 

37. Fleetwood Mac: Rumours

Pocas historias de rock’n’roll son tan extrañas como la de Fleetwood Mac: una saga de 40 años que incluye locura inducida por las drogas, amargas peleas internas, una banda «falsa» que les robó el nombre, una extraña desaparición durante una gira, dos matrimonios rotos, al menos una nariz arruinada por la cocaína, y el tipo de salto de cama que normalmente se ve en una antigua farsa del West End. Ah, y también con la participación de algunos de los mejores músicos de rock de los años 60, 70, 80 y posteriores.

En el nivel más simple, Rumours es un conjunto de canciones brillantes, bellamente interpretadas. Sólo eso lo ha convertido en el decimotercer álbum más vendido de todos los tiempos. En un nivel más profundo, estas canciones agridulces y autobiográficas hablan de la compleja agitación emocional en el corazón de esta banda singularmente disfuncional. El matrimonio de John y Christine McVie se estaba desmoronando; Lindsey Buckingham había roto con Stevie Nicks.

«Sólo éramos como cualquier otra banda de esa época», dijo Fleetwood a Classic Rock. «Cuando hablo de historias de guerra con otras bandas, creo que no éramos tan malos. ‘¿Hicisteis qué?’ Éramos pesos ligeros comparados con muchos. Mira a los Stones o a Johnny Cash, las cosas que se llevaron. Nosotros no hacíamos eso, sólo éramos borrachos y montones de cocaína. Doy gracias a Dios que no fuimos al lugar de los opiáceos. La cocaína, a la larga, es mala, pero aún éramos chicos jóvenes. No nos perjudicaba, sólo significaba que nos quedábamos despiertos durante tres o cuatro días y hacíamos buena música».

La canción Gold Dust Woman de Nicks documentaba la locura de la adicción a la cocaína (‘Rock on gold dust woman/Take your silver spoon/Dig your grave’). Más tarde confesó: «Maldigo el día en que tomé cocaína». Pero fue en su momento más jodido, irradiando paranoia y enemistad mutua, cuando Fleetwood Mac creó su icónica obra maestra.

 

 


 

36. Kiss: Alive!

Con las caras pintadas, trajes extravagantes y botas de tacón de siete pulgadas, Kiss llegó a los 70 como superhéroes sacados de un cómic. Tenían nombres de superhéroes: The Starchild, The Demon, The Space Ace, The Catman. En los conciertos presentaban El mayor espectáculo del mundo, con explosiones, sangre, respiración de fuego, una guitarra que lanzaba cohetes… En el fondo era una gran banda de rock americana.

Puede que los aficionados a la música serios (y, por supuesto, los críticos) se burlen de ellos como si no fueran más que un espectáculo circense, pero Kiss no llegó a vender 100 millones de discos por casualidad. En el amplio catálogo de la banda se encuentran algunos de los mejores y más influyentes álbumes de rock de todos los tiempos. ¡Uno de ellos es Alive!

Para la grabación de Alive! reunieron todos los mejores himnos de sus tres discos de estudio anteriores y se desmelenaron ante miles de fans extasiados. El resultado sonó absolutamente compulsivo. No es de extrañar que varias generaciones de niños se pusieran delante del espejo, llevando el maquillaje de su madre y agitando los puños cerrados mientras gritaban Rock And Roll All Nite o Strutter. ¿Cuántos de ellos llegaron al estrellato? Probablemente unos cuantos.

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35. David Bowie: The Rise & Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars

‘To Be Played At Maximum Volume’, aconsejaba el reverso de la funda, y esa es, en efecto, la mejor manera de disfrutar de la cúspide creativa de David Bowie. Ziggy Stardust marca el momento en que Bowie acertó de lleno. Como todos los buenos álbumes conceptuales, parecía un viaje, desde el apocalíptico Five Years hasta el doloroso Rock ‘N’ Roll Suicide. A diferencia de la mayoría de los álbumes conceptuales, la abundancia de ganchos pop hizo que sonara igual de bien escuchado en fragmentos en la radio. Aunque Bowie nunca sería mejor, se puede argumentar que el álbum pertenece igualmente al guitarrista Mick Ronson.

Starman fue el single más exitoso, el tema que se encuentra detrás de la aparición en el Top of The Pops y que hizo que los padres se quejaran. Pero esos perfectos tambores y ese ritmo de serpiente lo hacen irresistible. Suffragette City tiene un poco de Jerry Lee y un poco de los Stones, y llega al clímax con un delicioso y salaz final de «Wham bam, gracias, señora».

El cierre del álbum, Rock ‘N’ Roll Suicide, es una de las canciones de cierre más perfectas jamás construidas. Comienza poniendo un cigarrillo autoanalítico en la boca de su oyente (‘Time takes a cigarette, puts it in your mouth’), es discreta, acústica… lleva una camisa vaquera. Pero se fija en ti y en lo desgraciado que te sientes, atrapado entre la infancia y la edad adulta: confundido, no reconocido, solo. Entonces, como si leyera tu mente, en el minuto 1:39, Bowie pronuncia la frase: «Oh, no, amor, no estás solo» y en un instante tu vida monocromática de Kansas de los 60 se convierte en el Technicolor de Oz de los 70.

 

 


 

34. Slayer: Reign In Blood

En otoño de 1986, Slayer publicó su tercer álbum, Reign In Blood.

Apenas tres años antes, el cuarteto de Los Ángeles -cuya formación estaba formada por los guitarristas Jeff Hanneman y Kerry King, el batería Dave Lombardo y el bajista/vocalista Tom Araya- había presentado su primer disco, el ligero, tosco y poco convincente Show No Mercy. Slayer, en ese momento, era el hazmerreír de la naciente escena del thrash metal.

Sin embargo, en 1986 ya nadie se reía ni se burlaba. La distancia entre el segundo álbum Hell Awaits y Reign In Blood era enorme, casi como si la música estuviera hecha por una banda diferente, de una época diferente.

Escucha ahora el tercer álbum de Slayer y sigue sonando ferozmente, como si necesitaras tiros sólo para poner la cosa en el reproductor de CD. Desde la innecesariamente desagradable Angel Of Death hasta la castigadora Raining Blood, el sonido aquí es tenso, torturado, cableado… agresivo e implacable. El tono es violento por diseño, la banda infame por reputación. Y cuando Metal Hammer celebró su 20º aniversario en 2006, los lectores lo votaron como el mejor álbum de la historia.

 

 

 


 

 

33. Rush: 2112

Para apreciar realmente la brillantez de 2112 de Rush -concepto y tema principal combinados- hay que reflexionar sobre el espíritu de la década de los setenta, y concretamente del año 1976. Rush había publicado tres álbumes hasta ese momento -un primer álbum autotitulado, Fly By Night y Caress Of Steel- pero, en general, la banda todavía estaba, para hacer eco de un título de pista de su mencionado debut, encontrando su camino.

Sus jefes no estaban impresionados. «Después de que Caress Of Steel fracasara, la compañía discográfica, Mercury, nos dejó muy claro que les estábamos decepcionando», recordó el cantante y bajista Geddy Lee. «Pensamos que nos abandonarían si el siguiente disco no iba bien. En el fondo, creo que todos estábamos convencidos de que nuestras carreras estaban acabadas y tendríamos que conseguir trabajos ‘de verdad’. Así que 2112 salvó nuestra carrera. De eso no hay duda».

En un año, 2112 se convirtió en disco de oro. Ahora es triple platino en Estados Unidos y doble platino en Canadá. Al escucharlo hoy, uno se sorprende tanto de su brillantez como de su brevedad. La suite conceptual principal, que ocupaba la primera cara del disco de vinilo original, dura algo más de 20 minutos. Las cinco canciones de la otra cara (como era) rondan los tres o cuatro minutos. Pero a veces menos es más, y la canción que da título al disco -que, por supuesto, detalla la lucha fallida de un hombre solitario por devolver la alegría de la música a un mundo distópico- sigue siendo una obra impresionante.

 

 


 

32. Queensryche: Operation: Mindcrime

 

Este álbum conceptual de primera categoría cuenta la historia de un genio, un drogadicto y una chica de la calle y su alienación de la sociedad de los 80. Las capas de guitarras, las voces de ópera y las orquestaciones de Michael Kamen le dan al conjunto un aire grandioso y épico, pero se trata de una bestia rara: un álbum de metal de los 80 que pone la canción -o, más concretamente, la historia- en primer lugar y deja que todo lo demás pase a un segundo plano.

Operation: Mindcrime es el álbum que cristalizó brevemente las visiones artísticas anteriormente errantes de Queensrÿche en algo emocionante y desafiante. Una colección de canciones casi impecable, que iba a contracorriente demostrando que una banda de heavy metal era capaz de mostrar inteligencia en su música.

Su siguiente álbum, Empire, lo superó en ventas por cierto margen, pero …Mindcrime es el punto de referencia con el que se mide todo lo demás que hace la banda.

 

 


 

31. Iron Maiden: Powerslave

El álbum que envió a Iron Maiden por todo el mundo en la legendaria gira World Slavery, convirtiéndolos en megaestrellas globales en el proceso, es tanto el disco definitivo de la primera década de la banda como quizás el álbum con el mejor trabajo artístico de todos los tiempos.

Si se pudieran demostrar científicamente estas cosas, no habría lugar a discusión: Aces High, 2 Minutes To Midnight, Powerslave (con el mejor solo de Dave Murray, ¡familiares!), la poderosa Rime Of The Ancient Mariner… sólo gracias a esas cuatro canciones, Powerslave hace que casi todo lo demás que se ha grabado suene a poco. Estamos exagerando, por supuesto. Pero no mucho.

Y luego está Eddie, una parte tan importante de la banda como cualquier músico. Considerado por muchos como el mejor Eddie, Powerslave hace un viaje a los confines del Antiguo Egipto, poniendo a Ed como un majestuoso faraón egipcio. Por si esto no fuera suficientemente genial, Eddie encarna a una momia electrocutada para el póster de la gira World Slavery, convirtiéndolo en una de las representaciones pictóricas más radicales de la mascota de la banda.

 

 


 

30. AC/DC: Highway To Hell

Highway To Hell fue el gran avance de AC/DC, su primer millón de ventas. Y, lamentablemente, el último disco que grabó Bon Scott. Fue un triunfo rescatado de las fauces del desastre, un álbum con tantas expectativas comerciales que Atlantic Records intentó originalmente intimidar a la banda para que versionara el éxito de 1966 de The Spencer Davis Group, Gimme Some Lovin’, en un intento desesperado por entrar en las listas. Consciente de que la presión era grande, Malcolm Young (y el nuevo representante del grupo, Peter Mensch) despidió al productor original Eddie Kramer, contrató a Robert «Mutt» Lange y obligó a su banda a trabajar duro durante tres meses en el estudio. El resultado fue el álbum más pulido, profesional y potente de la carrera del quinteto, y posteriormente su primer disco de un millón de ventas en Estados Unidos.

La genialidad de Mutt Lange consistió en traducir toda la sangre, el sudor y las lágrimas exprimidas de sus pupilos en el estudio Roundhouse de Londres en un álbum que suena sin esfuerzo, despreocupado y espontáneo. A AC/DC nunca le faltaron pelotas, energía o agresividad, pero en Highway To Hell sus golpes oscilantes se dieron con precisión y aplomo, impactando con una fuerza de infarto. El diablo, como siempre con Lange, está en los detalles. Las alegres voces de la banda en el estribillo de Walk All Over You (cierren los ojos y díganme que no pueden ver al instante a Malcolm Young arrastrando los pies hacia su soporte de micrófono mientras leen esas palabras). Esos económicos y brutalmente efectivos golpes de guitarra en las estrofas de Touch Too Much. El clímax de If You Want Blood, que te deja sin aliento. El imparable impulso de Girls Got Rhythm.

Bon Scott, en todo momento, está en su punto más dominante, convincente e irresistible, en un mundo áspero y ruidoso, en el que «nadie juega a ser Manilow», aguantando los golpes (tanto Beating Around The Bush como Shot Down In Flames presentan escenarios en los que el ego del cantante de los cuernos se ve afectado) y siempre en busca de la siguiente aventura, como se detalla de forma memorable en la canción que da título al álbum. Classic Rock describió en su día Highway To Hell como «no sólo la mejor canción de AC/DC, [sino] el himno definitivo del rock, y punto», y la canción es Bon tal y como siempre se le recordará: seguro de sí mismo, alborotado y listo para enfrentarse al mundo con una sonrisa de dientes abiertos, pase lo que pase. Es el sonido de la libertad, el sonido de la mejor banda de rock ‘n’ roll del mundo en su momento más feroz e intrépido. Highway To Hell es Bon Scott y su banda en su momento más glorioso y emocionante.

 

 


 

29. Faith No More: Angel Dust

¿El mejor álbum de rock de los años 90? Posiblemente. La continuación de Faith No More del exitoso álbum The Real Thing es, sin duda, uno de los lanzamientos más oscuros y amargos de esa década y, seguramente, uno de los discos más nihilistas jamás editados por un gran sello.

Cuando el presidente del sello estadounidense de Faith No More escuchó por primera vez estas canciones sobre sexo sadomasoquista (Be Aggressive), asesinatos en serie (Crack Hitler) y masturbación (Jizzlobber) su primer comentario a la banda fue «espero que nadie haya comprado casas». Ouch. «La frase clave de la discográfica fue ‘suicidio comercial'», señaló más tarde el bajista Bill Gould con no poco orgullo.

Posiblemente, el único clásico del metal que samplea un ritmo de batería de Simon And Garfunkel, Midlife Crisis es una canción construida para grandes estadios y grandes multitudes que cantan. Junto con A Small Victory y Everything’s Ruined, convirtió a Angel Dust en un millón de ventas y a la banda en una estrella mundial. A diferencia de The Real Thing, Angel Dust tocó menos estilos, pero lo compensó con creces en cuanto a enfoque e interpretación. Ninguna otra banda sonaba como Faith No More.

 

 


 

28. Bruce Springsteen: Born To Run

Este fue el álbum que salvó la carrera de Bruce Springsteen después de que las ventas de sus dos primeros fueran decepcionantes, y también demostró que podía escribir un rock antémico que rivalizaba con Phil Spector. Mientras que la canción principal y Thunder Road siempre han sido un elemento básico en los directos, las canciones más románticas y orquestales como Backstreets y She’s The One son las joyas olvidadas del álbum. Sólo hay ocho temas en Born To Run, pero Springsteen trabajó como un esclavo durante casi dos años. Reescribió cada línea de la letra docenas de veces, experimentó con las cuerdas y dedicó incontables horas a detalles minúsculos como el orden de ejecución. El resultado de su tortura es la obra maestra de Springsteen.

La radio abrazó Born To Run y contribuyó a que se convirtiera en el primer éxito de Bruce en el Top 40, pero fue en el directo donde Springsteen se ganó a la mayoría de los fans. Cuando tocó cinco noches en el Bottom Line de Nueva York en agosto, con una de las noches emitida por la radio, las ventas volvieron a dispararse. Para cuando la banda tocó su primera fecha en el Reino Unido -el 18 de noviembre de 1975 en el Hammersmith Odeon de Londres- Springsteen era una estrella internacional.

La canción sigue siendo un elemento básico en la radio hoy en día, todos estos años después de su nacimiento. En una encuesta realizada en 1994 por The Times y la BBC sobre las mejores canciones de todos los tiempos, Born To Run fue votada como la número 1, superando a Like A Rolling Stone de Dylan. «Llevo viniendo a Gran Bretaña desde hace bastante tiempo, desde mediados de los 70», dijo Springsteen en su momento. «Los fans han sido tremendamente leales. Es un puntazo».

 

 


 

27. Pearl Jam: Ten

 

Escuchar Ten de una sentada es un placer casi glotón, como comer demasiados licores de chocolate. Se escucha como un Greatest Hits y sigue sonando lo suficientemente grande. Once siempre ha sido infravalorada, ya que se coló tras el falso comienzo del instrumental Master/Slave, pero la primera canción es una de las más potentes del álbum, construida sobre una voz hirviente y un riff de carnicero. Vedder en el personaje de un maníaco vengativo con el pedal en el suelo y el «calibre dieciséis enterrado bajo mi ropa». Una canción para erizar el cuello y apretar los puños, que anunciaba a Pearl Jam como una banda a tener en cuenta desde el principio.

Los propios Pearl Jam parecen tener un problema con Even Flow, y en general están de acuerdo en que le quitaron la chispa a la maqueta original con demasiadas tomas («No estoy seguro de por qué no usamos esa», dijo el batería original Dave Krusen, «pero sé que se sentía mejor»). Para todos los demás, la versión que se incluyó en Ten era una maravilla, impulsada por ese riff musculoso y a la vez serpenteante, y que lograba cantar sobre la falta de vivienda sin meterse en la nariz.

Y, sí, aunque el riff de Alive se considere ahora prácticamente como el Layla del alt.rock, sigue siendo un clásico a sangre fría, desde la introducción de Gossard preparada para el estadio hasta el solo de Mike McCready (que admite, por cierto, que robó de She de Kiss).

 

 


 

26. Metallica: The Black Album

Con más de 20 millones de copias vendidas en todo el mundo, el quinto álbum homónimo de Metallica, más conocido como «el álbum negro» -en una acertada referencia a The Beatles, también conocido como The White Album-, es uno de los discos de metal más vendidos de la historia. El cuarteto de San Francisco había vendido un millón de discos con Master Of Puppets, de 1986, sin publicar un sencillo ni hacer nunca un vídeo promocional, pero cinco años después, su objetivo declarado era conquistar la corriente principal, o, como diría su batería Lars Ulrich, «meter a Metallica por la puta garganta de todo el mundo».

El productor Bob Rock no se andaba con chiquitas. Rock había producido grandes álbumes para The Cult (Sonic Temple) y Mötley Crüe (Dr Feelgood) y su especialidad era el pop-rock desenfrenado que sonaba fantásticamente en la radio del coche. Rock sometió a sus nuevos pupilos a nueve meses de maquetas, un entrenamiento básico para los metaleros. Lars tomó clases de batería y Hammett recibió formación de la leyenda del shred Joe Satriani.

Hetfield estuvo a la altura de las circunstancias, especialmente con canciones como Wherever I May Roam, sobre la hermandad de la banda en la carretera, y The God That Failed, una canción especialmente personal sobre su infancia. Los paisajes sonoros que la banda y Rock estaban creando, aunque exuberantes y amplios, tenían la nueva simplicidad a la que aspiraban.

Pero fue Enter Sandman el que derribó las puertas de la corriente principal para Metallica. Un clásico del metal de todos los tiempos, fue la habilidad de Lars Ulrich para identificar y reorganizar el riff de introducción de Kirk Hammett lo que transformó Sandman. Pero está lejos de ser un álbum «pop». La fuerza de Sad But True es innegable. Bob Rock describe el aplastante riff del tema como «esa fuerza que no puedes parar», y es aquí, más que quizás en cualquier otro tema, donde Metallica selló su autoridad como los nuevos reyes globales del metal.

 

 


 

25. Los Beatles: White Album

El álbum ni siquiera tiene nombre. Una simple funda blanca con las palabras «The Beatles» grabadas en la portada, el álbum que llegó a ser conocido en todo el mundo como «The White Album», parece ser una reacción consciente al universo tecnicolor del Sgt. Pepper, un disco sin concepto, un LP demasiado insensible para sentir, o para comprometerse con algo con sentimiento (famosamente, en la roquera Revolution, Lennon afirma que cuando «hablamos de destrucción, no sabes que cuentas conmigo… In»).

En un viaje a la India en febrero de 1968, con el Maharishi, los Beatles se pusieron a escribir nuevo material. Y como el único instrumento occidental que tenían a mano era una guitarra acústica, el sonido del Álbum Blanco nació de la necesidad. Donovan enseñó a John a tocar con los dedos y, utilizando esta técnica, Lennon escribió Dear Prudence (una exhortación a la joven actriz Mia Farrow para que se uniera a ella) y Julia (aparentemente sobre su difunta madre, aunque también sobre Yoko, la «Oceanchild» de la letra; Yoko significa literalmente «hija del mar» en japonés). En total, Lennon, McCartney y Harrison escribieron 17 de las canciones que aparecerían en el Álbum Blanco mientras estaban en la India. Y, por primera vez, incluso Ringo escribió una.

La edad, y la tecnología, han sido benévolas con el Álbum Blanco. Escuchado en vinilo, es una experiencia frustrante, con momentos de genialidad salpicados de pop cursi, molestos esbozos de canciones y el experimental Revolution 9. En 2018, sin embargo, donde cualquiera puede hacer una lista de reproducción con sus mejores partes, realmente suena como el mejor álbum doble jamás hecho.

 

 


 

24. Tool: Lateralus

Profundizando en influencias tan diversas como King Crimson y Nine Inch Nails para crear un sonido sombrío y experimental, el impacto de Tool fue inmenso, aunque ellos nieguen firmemente que sean una banda «prog». Aenima, de 1996, es a menudo anunciado como el momento definitorio de Tool, pero la complejidad progresiva de Lateralus le da una ventaja. Con pasajes instrumentales contundentes y letras llenas de odio, Tool atrajo a tantos fans de Marilyn Manson como amantes de Robert Fripp.

En pocas palabras, Lateralus es uno de los mejores discos de cualquier género jamás creados en la larga historia de la música popular. Una pieza musical genuinamente impecable de casi 80 minutos de duración que sigue sonando como si hubiera sido creada por algún tipo de poder superior, incluso 17 años después de haber sido lanzada sobre un mundo desprevenido. Desde el momento en que The Grudge se pone en marcha, es difícil imaginar por dónde empezar con los puntos álgidos, por no hablar de la idea de que Lateralus esté por debajo de la perfección en algún momento, pero el océano ondulante de la canción que da título al disco o las mesuradas maquinaciones de post-prog metal de Parabol y Parabola son dos momentos que se me ocurren inmediatamente. El lanzamiento de una banda emblemática. Y un auténtico clásico.

¿Algo más? Ah, sí, cuando Chris Robertson, de Black Stone Cherry, perdió la virginidad, Lateralus puso la banda sonora.

 

 


 

23. Rainbow: Rising

Rising es el sonido de una banda en llamas. Grabado en los días anteriores a las ediciones digitales, el álbum tiene la intensidad de una banda que lo hace bien en un par de tomas, impulsado por el intenso deseo de Ritchie Blackmore de demostrar su opinión a sus antiguos compañeros de Deep Purple.

Y luego está la voz. «Ronnie James Dio no sólo era un cantante con talento, sino también un compositor increíble», dijo Tony Carey. «Incluso en las canciones desechables, como Run With The Wolf y Do You Close Your Eyes, era feroz. Todo su metro y medio».

El álbum arranca con el crescendo de teclados de Tarot Woman. «Me gusta especialmente el solo de Minimoog que hace Tony en Tarot Woman», dijo Blackmore. «Fue el primer solo que hizo para la canción. Dijo que podía hacerlo mucho mejor, y volvió a tocar durante una hora, pero nunca se comparó con el primer solo».

La pieza central del álbum es Stargazer, una epopeya de nueve minutos que combina el amor de Blackmore por la música clásica con las letras vívidas y fantásticas de Dio. El tema se construye en torno a un riff principal inspirado en el violonchelo, pero lo más destacado es la desinhibida interpretación de Blackmore y su abrasador trabajo de slide (una reciente adición a su repertorio). Las amplias escalas orientales contribuyen a la grandiosidad.

 

 


 

22. Black Sabbath: Black Sabbath

La grabación duró un día. El productor de este proyecto se estrenaba en ese papel. El estudio era de cuatro pistas. Y todo ello costó menos que una entrada VIP para un concierto de Bon Jovi en Londres este mes de junio. Sin embargo, en 1970, este álbum de debut, poco atractivo y bastante discreto, alteró el mundo tal y como lo conocíamos. Porque estamos hablando del autotitulado álbum de debut de Black Sabbath. Aquí fue donde el heavy metal respiró por primera vez, mirando al sol abrasador del realismo comercial y cegando a las generaciones siguientes con una oscuridad sin concesiones de pensamiento, obra y riff.

«Ni siquiera escuchamos o vimos el álbum antes de que se publicara», admite Tony Iommi. «Lo primero que supimos fue cuando volvimos de Europa, encendimos la radio y escuchamos Evil Woman… Éramos nosotros. En la radio. Fue emocionante. Pero nunca nos enviaron las mezclas de los temas, ni nos mostraron el material gráfico. Nada. Eso sí, en aquella época era mucho más difícil conseguir algo para una banda en la carretera».

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La pieza central del álbum era el tema principal, una formidable epopeya que llega a un crescendo ensordecedoramente oscuro. Como dice Geezer Butler, es el himno de la banda. «Si escuchas esa canción, para mí representa todo el heavy metal», insiste. «Está todo ahí: todo el género en una canción».

 

 


 

21. Deep Purple: Made In Japan

Considerado ahora como uno de los mejores álbumes de rock en vivo de todos los tiempos, Made In Japan también marcó un momento decisivo en la historia de Deep Purple: un pico de rendimiento que, paradójicamente, encontró a la banda tambaleándose al borde de la autodestrucción. Cuando Purple llegó a Japón en agosto de 1972, la embriagadora mezcla de enorme éxito, egos enfrentados y una gestión cuestionable había creado lo que Ian Gillan llama «un efecto de caos», desencadenando fracturas irreparables dentro de la banda.

Cuando Made In Japan se publicó en Gran Bretaña, en diciembre de 1972, fue una revelación. Ya había habido álbumes en directo trascendentales: Get Yer Ya-Ya’s Out! de los Rolling Stones; Live At Leeds de The Who, pero se trataba de LPs sencillos; paradas glorificadas, paquetes de momentos estelares que no se veían bajo la misma luz que los elevados álbumes de estudio. También se habían incluido ocasionalmente temas en directo en los álbumes de estudio, sobre todo de The Faces y Cream.

Incluso ya había habido álbumes dobles en directo. El año anterior se publicaron los álbumes Performance de Humble Pie: Rockin’ The Fillmore de Humble Pie, que incluía largas versiones de canciones de Dr. John, Muddy Waters y Ray Charles, pero sólo un número original, y At Fillmore East de la Allman Brothers Band, una brillante evocación de una banda emergente que se convirtió en su gran avance. Sin embargo, Made In Japan fue la primera vez que un grupo verdaderamente internacional hizo una declaración musical tan audaz, y en un momento tan crucial de su carrera, justo cuando su estrella estaba alcanzando la cúspide de su ascenso comercial.

 

 


 

20. Black Sabbath: Paranoid

El segundo álbum de Black Sabbath, Paranoid, encabezó las listas de álbumes del Reino Unido en el primer año de una nueva década. Al captar el espíritu de la época, los ocho temas creados por el cuarteto de Birmingham pusieron un punto final musical definitivo a los ideales hippies de los años 60 propagados por Haight-Ashbury, el amor libre y el flower power.

Se trata de un álbum que se construye sin pudor sobre una base de riffs, riffs y más riffs. La batería de Bill Ward es apropiadamente brutal, pero hay una absoluta singularidad de propósito en la forma en que las canciones se subordinan a la forma de tocar del guitarrista Tony Iommi que hace que números como Iron Man y Electric Funeral sean absolutamente implacables e imparables. Pero los riffs no son las únicas armas en el arsenal de Sabbath en este álbum. Las letras del bajista Geezer Butler son quizá sorprendentemente inteligentes -aunque completamente pesimistas- para un grupo que no temía los golpes.

War Pigs es una articulada denuncia de los belicistas, a pesar de la perezosa rima de ‘Generals gathered in their masses/Just like witches at black masses’. Hand of Doom, por su parte, ofrece una mirada incisiva al uso de drogas duras entre los ex soldados como medio para hacer frente a lo que más tarde se reconoció como Síndrome de Estrés Postraumático.

Y luego está Ozzy. Tal vez sea ahora, 47 años después de estas actuaciones, cuando podemos ver lo diferente que era como vocalista. No es para él el acicalamiento que normalmente se asocia con los líderes de las bandas. Ozzy nunca suena como si estuviera allí para engreírse como, por ejemplo, el primer Robert Plant. No, su voz desafiante y sin sexo es sólo una herramienta más, subyugada de forma voluntaria y efectiva a este monstruo musical colectivo.

 

 


 

19. Deep Purple: Machine Head

Tras trasladarse a Montreux para grabar, el desastre golpeó a Deep Purple cuando el complejo del casino en el que se encontraban se incendió durante un espectáculo de Frank Zappa (un acontecimiento que sirvió de inspiración para Smoke On The Water). Machine Head acabaría grabando en el gélido y cerrado Grand Hotel de las afueras de Montreux, utilizando el estudio móvil de los Rolling Stones.

Y si no se mostraban hostiles entre ellos, lo provocaban en los demás. «Hicimos Smoke On The Water allí», dijo Blackmore, «y el riff lo inventé de improviso. Lo hice junto con Ian Paice. Roger Glover se unió y salimos a la unidad móvil y estábamos escuchando una de las tomas y hubo unos golpes en la puerta. Era la policía local, y estaban tratando de detener todo el asunto porque era muy ruidoso. Sabíamos que venían a cerrar todo. Estaban fuera martilleando y sacando sus armas; se estaba volviendo bastante hostil».

Sorprendentemente, la adversidad unió más a la banda. «Éramos todos nosotros contra el mundo», dice Glover. «Así que hubo un gran sentimiento de camaradería en ese álbum».

Smoke marcó la pauta del rock pesado, pero no se publicó como single hasta el año siguiente al lanzamiento de Machine Head. El álbum fue número en una semana y cambió la percepción del público sobre la banda. De repente, con retraso, la gente empezó a darse cuenta de que los señores Gillan, Blackmore, Lord, Glover y Paice no eran unos Led Zeppelin o unos Black Sabbath; tampoco eran los Purple «pop» de finales de los 60. La banda había dado con una fórmula única y suelta, y estaba decidida a hacerse su propio hueco.

Machine Head es un álbum fundamental porque establece el modelo para la futura dirección de Purple. Y, por supuesto, está repleto de joyas eternas como Smoke…, Lazy, Highway Star y Space Truckin’.

 

 


 

18. The Beatles: Revolver

En diciembre de 1965 y los dos primeros meses del 66, el álbum Rubber Soul de los Beatles pasó ocho semanas en el número 1 en el Reino Unido y seis semanas en el número 1 en Estados Unidos, y seguía en el Top 20 de Estados Unidos cuando el grupo volvió a los estudios Abbey Road en abril del 66 para empezar a grabar material para su siguiente nuevo álbum. Rubber Soul había establecido un nuevo punto de referencia, y se le atribuyó el mérito de haber cambiado el enfoque de la música rock de los singles a los álbumes.

El primer tema en el que trabajaron los Beatles para Revolver fue el trascendental Tomorrow Never Knows, una sopa cósmica psicodélica y pseudoindia ideada por Lennon cuatro meses antes, inspirada en las líneas: «Siempre que tengas dudas, apaga tu mente, relájate, flota río abajo», que había leído en el libro del traductor Walter Kaufmann The Portable Nietzsche.

También fue el primer tema en el que trabajó Geoff Emerick, ingeniero de Abbey Road de 19 años, que había sido ascendido esa misma mañana de asistente de grabación. «Estaba muy nervioso», recuerda. «Una de las peticiones de John era que quería que la voz sonara como el Dalai Lama cantando en la cima de una montaña a 25 millas de distancia».

Así fue como se creó la atmósfera Revolver, el álbum que los transformó de adorables traperos en guerreros psicodélicos. Eleanor Rigby sirvió para advertir que Paul McCartney era un gran contador de historias y el arreglo parece ir en contra de toda la experimentación sónica que hay en todo el álbum: Se escucha a McCartney, Lennon y Harrison, respaldados por un par de cuartetos de cuerda, arreglados impecablemente por Martin.

El cierre de la primera cara, She Said, She Said, se inspiró en una fiesta con ácido en la que el actor Peter Fonda comentó: «Sé lo que es estar muerto». Una meditación convenientemente lisérgica sobre la búsqueda espiritual y conducida por la penetrante guitarra de George Harrison y las figuras circulares de la batería de Ringo, fue uno de los gusanos de la manzana: un reconocimiento paranoico del lado oscuro de los 60.

 

 


 

17. Def Leppard: Hysteria

Def Leppard no se hacían ilusiones sobre lo que querían hacer: querían convertirse en la banda más grande del mundo, y estaban dispuestos a hacer lo que fuera necesario para lograr su ambición. Tal vez si hubieran sabido exactamente cuánto iba a costar «lo que fuera», habrían dado un golpe en la cabeza y habrían conseguido un trabajo en B&Q. Pero menos mal que no lo hicieron, porque el álbum que resultó de su auténtica batalla contra la extinción se convirtió en uno de los clásicos del rock británico.

«Teníamos miedo», cuenta el cantante Joe Elliott. «No teníamos absolutamente nada de ideas. Habíamos aprendido que no podíamos componer en la carretera; estabas haciendo todos esos espectáculos y entrevistas y apariciones. Si conseguías plasmar una idea, te sentías orgulloso del logro en lugar de preguntarte si era una buena idea. Además, habíamos disfrutado mucho con Pyromania, con la que habíamos convivido durante casi dos años. No teníamos nada que hacer».

Las ventas de Hysteria flaquearon y se estancaron en torno a los cinco millones (lo que para casi cualquier otra banda habría sido un éxito). Pero entonces las bailarinas de los clubes de striptease empezaron a utilizar Pour Some Sugar On Me como canción de acompañamiento, y el boca a boca hizo que se reprodujera en las emisoras de radio de todo Estados Unidos. De pronto, el álbum movía decenas de miles de ejemplares al día. Al final se vendieron 16 millones de copias.

Si un tema resume la filosofía de Def Leppard, es Pour Some Sugar… Es simple, es un himno, reconoce la inspiración de una serie de fuentes, y la letra es irónica, divertida y alegre. Está en el espíritu de I Love Rock’n’Roll, pero es mucho más que eso, con la cuidadosa mezcla de guitarras, voces en capas, melodía fuerte y partes gritonas.

 

 


 

16. Rush: Moving Pictures

Publicado en 1981, Moving Pictures fue un éxito del Top 5 en el Reino Unido y en los Estados Unidos y ha sido cuatro veces platino en su Canadá natal. Pero es un álbum de Rush que no tiene ni pies ni cabeza. Una extraña mezcla de riffs pesados, formas de la nueva ola y tecnología de los 80, cerró la puerta a los kimonos de raso y las epopeyas de ciencia ficción que definían a Rush en los 70, y abrazó un mundo nuevo y valiente. En los 70 se habían convertido en los maestros indiscutibles del hard rock progresivo, famosos por sus épicas piezas conceptuales que se reproducían en caras enteras de vinilo. Pero con su primer álbum de la década de 1980, Permanent Waves, se produjo un cambio significativo.

El primer tema, Tom Sawyer, fue la cristalización de este nuevo Rush moderno: una canción de hard rock potente y bien elaborada con un mensaje contundente y profundamente filosófico. «Tom Sawyer es una canción muy característica para nosotros», dice el guitarrista de Rush Alex Lifeson. «Musicalmente es muy poderosa, y líricamente tiene un espíritu que resuena con mucha gente. Es una especie de himno».

Pero mientras Rush se adentraba en el reggae y el pop, seguía escribiendo temas como YYZ: un absurdo instrumental cuyo segmento inicial parece sacado de uno de esos castigadores álbumes de King Crimson de los 70 que nadie escucha hasta el final. Al igual que La Villa Strangiato, YYZ fue construido para saciar el apetito de los guitarristas/bajistas/bateristas de dormitorio. Y a pesar de todos sus rellenos, hay un momento de sublime belleza en el minuto 2:53, cuando el sintetizador entra en acción.

 

 


 

15. The Rolling Stones: Exile On Main Street

Este álbum doble, que recibió una patada de la crítica en su momento, ha llegado a ser ampliamente considerado como uno de los discos definitivos de los Rolling Stones, aunque (o quizás porque) contiene relativamente pocos favoritos de los Stones. A veces es oscuro, tenebroso y sombrío, y otras veces es implacablemente optimista y rockero; sólo la escucha repetida revela todos sus tesoros.

Exile On Main St. es el álbum más suelto, funky y con más alma que los Stones hayan hecho jamás. Y, reflejando la inmersión de Keith Richards en la adicción a la heroína, todo el álbum tiene un aire gloriosamente decadente, ilustrado por el perezoso rollo de Tumbling Dice, que fue un single de éxito.

«Muchas de las canciones empezaron con una idea», dice Keith Richards. «Mick [Jagger] está tocando el arpa, tú te unes y antes de que te des cuenta tienes un tema en ciernes y una idea funcionando. Puede que no sea el tema terminado; no intentas forzarlo. Como solía decir mi padre: ‘Keith, hay una diferencia entre rascarse el culo y destrozarlo'».

Mientras tanto, Mick se ausentaba a menudo de las sesiones, atendiendo a su esposa Bianca, embarazada, con la que se había casado un mes antes. Parte de la magia de Exile On Main St. surgió de la relación de trabajo que se había desarrollado entre Keith y su compañero guitarrista Mick Taylor.

«Brian [Jones] y yo nos intercambiábamos los papeles. No había una línea definida entre la guitarra principal y la rítmica, pero con el estilo de Mick tuve que reajustar la forma de la banda y fue maravillosamente lírico. Era un guitarrista principal encantador. Me encantaba tocar con Mick Taylor». La sinergia de los guitarristas dio sus frutos. Exile… es la cumbre de los Stones, elegantemente desperdiciada.

 

 


 

14. Pink Floyd: Wish You Were Here

Puede que Wish You Were Here haya marcado el principio del fin de Pink Floyd, pero su noveno álbum sigue siendo una de sus obras más queridas y suena tan contemporáneo ahora como entonces. Su tortuosa gestación, grabada en sesiones cada vez más indolentes en Abbey Road a lo largo de medio año, estuvo a punto de romper la banda, como dijo Roger Waters en 1999: «Todo se había desmoronado durante Wish You Were Here».

Ciertamente, preparó el camino para la tercera era de Pink Floyd, la última casi década en la que Waters se erigió en único líder de la banda, dejando de lado al guitarrista y coguionista David Gilmour, alienando al batería Nick Mason y, en última instancia, despidiendo al teclista fundador Richard Wright.

En el tema que da título al disco, Wish You Were Here, la voz de Gilmour y la letra de Waters son posiblemente la mejor ilustración de la combinación salada y dulce de Waters y Gilmour. Independientemente de la animosidad que pudiera haber entre ellos, el equilibrio que aportaban a Floyd -los sentimientos cáusticos de Waters se hacían palpables con la majestuosa forma de tocar la guitarra de Gilmour- proporcionaba algunos de los mejores momentos de la banda. Wish You Were Here se ha convertido en un estándar, muy versionado y querido por los músicos callejeros de todo el mundo.

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Wish You Were Here salió a la venta el 15 de septiembre y se situó directamente en el primer puesto de las listas de álbumes a ambos lados del Atlántico. Se calcula que ha vendido más de 14 millones de copias en todo el mundo. Richard Wright dijo más tarde: «Creo que es mi álbum favorito de los Floyd. Creo que el mejor material de los Floyd fue definitivamente cuando dos o tres de nosotros co-escribimos algo juntos. Después perdimos eso; no había esa sensación de interacción de ideas entre la banda». Se trataba de la pérdida y el fin de las amistades en más de un sentido.

 

 


 

Yes: Close To The Edge

Se ha dicho que cuando el emperador José II le dijo a Mozart que su nueva ópera tenía «demasiadas notas», él respondió: «Sólo las necesarias, alteza». Moz también sufrió críticas que calificaban su música de «sobrecargada y excesiva» y de «laberintos impenetrables». Puede que algo de esto le suene a Yes, cuya gran obra de 1972 todavía consigue el considerable truco de sonar poco familiar hoy en día. «Cuando hicimos Close To The Edge, yo estaba en el cielo», ha dicho Jon Anderson, «y eso todavía sale en el disco…».

Este fue el único, decidieron, en el que ignorarían los límites. Los egos y las personas implicadas chocaron constantemente a lo largo de tres meses de grabación en Londres. Sin embargo, la formación clásica de Anderson, Howe, Wakeman, Squire y Bruford (que se marchó al terminar, creyendo que habían llegado a su punto álgido) conjuró un álbum eufórico de rara complejidad y cohesión, al que todavía se alude con frecuencia como el cenit del rock progresivo. Muchas notas, claro, pero sólo las necesarias. Anderson ha dicho que, a pesar de las disputas, estaban «todos muy conectados entre sí» e incluso el autocrítico Wakeman lo califica como su mejor trabajo. «Nadie se ha acercado a él», dice Trevor Horn, un fan de la época.

Inició la moda de la banda de centrar los álbumes en torno a una pieza central épica, en este caso el tema principal de 19 minutos, que, en cuatro secciones unidas, rezumaba espiritualidad, inspirada en Anderson por el libro Siddartha de Herman Hesse. El coproductor Eddie Offord se encargó de empalmar varias secciones de la cinta en un todo: aunque la banda podía, técnicamente, tocarlo todo, se dieron cuenta de que podían perfeccionar una pieza a la vez, y luego unirlas. Esto no era una hazaña en la época anterior a los ordenadores.

Parte de la maravilla de Close To The Edge es la forma en que comienza a un nivel tan febril, desafiándote a dudar de que pueda seguir subiendo. Sigue bailando con audacia en ese precipicio, sin caer nunca.

 

 


 

12. Pink Floyd: The Wall

Es justo decir que la gira de The Wall de 1980/81 fue la antítesis del rock’n’roll sin florituras. Tan desafiante y mordazmente satírica como su álbum matriz de 1979, la odisea de 31 fechas (y la posterior película de Alan Parker de 1982) se había planteado, en forma embrionaria, desde el principio. «Cuando Roger concibió The Wall», dijo el artista de Pink Floyd Gerald Scarfe, «me dijo que quería convertirlo en un álbum, luego en un espectáculo y finalmente en una película. Nos llevamos bien. Teníamos la misma visión irónica y sardónica del mundo».

Esa visión del mundo era evidente en el álbum, el undécimo de Floyd, para el que Waters presentó a sus compañeros de banda una narración que trazaba un antihéroe picaresco, Pink, a través de una infancia miserable, una educación brutal, un matrimonio fallido y un estrellato vacío, todo ello bajo la nube de la muerte de su padre en la guerra.

Desde la ampulosa apertura de In The Flesh hasta la sorprendentemente anticlimática Outside The Wall, la trama está salpicada de metáforas, flashbacks, pesadillas y sueños. Lo que la salva es el convincente drama musical que te mantiene en tensión mientras todo se desenreda.

Hay una gran cantidad de momentos musicales, grandes letras, una dinámica inteligente y una gran narrativa (que sólo tiene sentido cuando se ve la película). El suspiro al principio de Mother, antes de que la letra te lleve al monólogo interior de Pink («Madre, ¿crees que van a soltar la bomba/ Madre, ¿crees que les va a gustar esta canción?»).

Y la interminable letra de Nobody’s Home puede ser la mejor visión de la alienación de una estrella del rock jamás escrita (sentada frente al televisor en una habitación de hotel americana con «la obligatoria permanente de Hendrix y las inevitables quemaduras de agujeros de alfiler» y «13 canales de mierda en la televisión para elegir»). Y también hay frases que sorprenden, como la que abre Vera Lynn: «¿Alguien se acuerda de Vera Lynn?

 


11. The Beatles: Abbey Road

 

Puede que fuera el último álbum que los Beatles grabaron juntos (aunque se publicó antes que Let It Be), pero Abbey Road está lleno de primicias de los Beatles: El primer single nº 1 de George Harrison (Something), el primer solo de batería de Ringo Starr (The End) y la primera improvisación de guitarra a tres bandas entre John, Paul y George (The End de nuevo). El hecho de que contenga algunas de las melodías más duraderas del grupo y armonías impresionantes es más significativo si se tiene en cuenta que los cuatro apenas se hablaban antes de entrar en el estudio.

Tras el inconexo «White Album» y el proceso de grabación y filmación de Let It Be, a mediados de 1969, los Beatles parecían acabados. La amarga acritud que separaba al grupo había obligado incluso a George Martin, que había producido todos los álbumes históricos de la banda, a lavarse las manos en las sesiones de Let It Be (Phil Spector, que llevaba años deseando trabajar con los Beatles, no dejó pasar la oportunidad de revisar las cintas). Así que el elegante Martin se sorprendió al recibir llamadas telefónicas no de uno, ni de dos, sino de los cuatro Beatles, rogándole que volviera para producir el último álbum. «Ya sabes, como antes», dijo Lennon, utilizando todo su encanto persuasivo. «Sólo si eres como antes», respondió Martin, con cautela. «Lo seremos», respondió rápidamente Lennon. «Lo prometemos».

Lennon cumplió su palabra y Abbey Road puso fin a la década de los 60 y a los Beatles en el mejor de los momentos. Lennon se lució con Come Together (su súplica apenas velada a sus compañeros de banda) y I Want You (She’s So Heavy). McCartney, cada vez más baladista, gruñó a través de la laríngea Oh! Darling. Here Comes The Sun, de Harrison, fue un indicio de las maravillas que vendrían un año después con su álbum en solitario All Things Must Pass. Incluso Ringo presentó una rara canción escrita por él mismo, la alegre Octopus’s Garden. La suite que cerró Abbey Road, por su parte, es una muestra vertiginosa del maravilloso e inigualable talento del grupo.

 

 


 

10. Led Zeppelin: Physical Graffiti

Desde el chisporroteante funk del primer disco, Custard Pie, hasta los vertiginosos cambios de tempo de In My Time Of Dying, estaba claro que, además de su dominio del blues eléctrico, Led Zeppelin había ampliado considerablemente su perspectiva en Physical Graffiti. Las incursiones en la acústica elegante (Bron-Yr-Aur), el country rock californiano (Down By The Seaside) y el blues Dixieland que revienta los tejados (Boogie With Stu) fijaron las ambiciones de Zepp más allá de la adoración de Elmore James. La cúspide fue Kashmir, ese hipnotizante canto oriental a la pesadez, impulsado por el hipnótico ritmo Levee de Bonzo y por una amplia banda orquestal.

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El productor Youth, en su reseña para Classic Rock, quizás lo resumió mejor: «La segunda cara termina con otra piedra angular y posiblemente su mejor momento, la poderosa Kashmir. Otra epopeya de más de ocho minutos y testimonio del estatus inigualable de Bonham como mejor batería de todos los tiempos. Con la ingeniería de Ron Nevison (que también diseñó otro de los mejores álbumes dobles de la historia, Quadrophenia de The Who), la batería de Bonzo está desfasada, hay un extraño compás que contradice la simplicidad del ritmo y el puro vudú que se produce te hace girar la cabeza. Bonham es como Hannibal, cabalgando por los Alpes en enormes elefantes… un trance extático inspirado en los desiertos de la India y el norte de África…»

El propio Robert Plant ha comentado: «Me gustaría que nos recordaran por Kashmir más que por Stairway To Heaven. Es tan correcto; no hay nada exagerado, ni histeria vocal. El Zeppelin perfecto».

 

 


 

9. Iron Maiden – The Number Of The Beast

Ampliamente considerado como uno de los mejores álbumes de heavy metal de todos los tiempos, The Number Of The Beast convirtió a Iron Maiden en superestrellas. Su primer álbum con Bruce Dickinson, les llevó a los 10 primeros puestos en el Reino Unido y los estableció como jugadores importantes en el escenario mundial. También contiene algunas de las mejores canciones jamás escritas en nombre del heavy metal.

La primera oportunidad que se tuvo de escuchar a los nuevos Iron Maiden fue en febrero de 1982, con el lanzamiento del primer single Run To The Hills. Run To The Hills, un éxito en el Reino Unido, es uno de los himnos metálicos más célebres de todos los tiempos. Presentó a todo el mundo a la «Air Raid Siren» – es decir, Bruce Dickinson, obviamente – y clavó por completo el enfoque de Maiden de espadachín, gung-ho y los niveles insanos de energía en poco menos de cuatro minutos de triunfante y eufórico abandono del heavy metal. Sigue siendo ridículamente excitante 35 años después, a pesar de haber caído regularmente en desgracia en los directos de la banda. Run To The Hills es, inevitablemente, la elección del pueblo.

«Sabía que me había unido a una gran banda», dijo Dickinson. «También sabía que podía hacerla aún mejor. Tenía una visión para The Number Of The Beast: mi voz pegada a Maiden es igual a algo mucho más grande».

Hallowed Be Thy Name fue votada recientemente como la mejor canción de Maiden por los lectores de la revista Metal Hammer y bajó el telón antes del inicio de los conciertos de la banda durante al menos dos décadas después del lanzamiento de TNOTB. Hallowed…, una de las mejores canciones épicas de la historia y, posiblemente, la canción por excelencia de Maiden, te ofrece todo lo bueno de esta banda en siete minutos abrumadoramente dramáticos y estimulantes. Machine Head, Cradle Of Filth, Dream Theater e Iced Earth han grabado versiones, lo que sirve para demostrar la enorme influencia que esta canción -y el álbum en el que aparece- ha tenido en generaciones de músicos de metal.

 

 


 

8. AC/DC: Powerage

En pocas palabras, Powerage es posiblemente el mejor álbum de rock de los años 70. Sin embargo, al estar situado entre otras dos cumbres de la banda, Let There Be Rock y Highway To Hell, el cuarto lanzamiento internacional de AC/DC, no se convirtió inmediatamente en su mejor álbum. El hecho de que Powerage sea el único título de un álbum de AC/DC que no aparece en el estribillo de una de sus canciones habla de una de las virtudes clave del disco: la sutileza.

Es cierto que no hay nada de sutil en los estruendosos riffs de Riff Raff o en la crujiente Kicked In The Teeth, pero en otros temas -en la bellamente lacrimógena Down Payment Blues, la juguetona What’s Next To The Moon, la lastimera y directa Gone Shootin’- AC/DC muestran una disciplina, un control y una potencia contenida que sólo los músicos más maduros y seguros pueden alcanzar.

Enfáticamente, es el álbum del difunto líder Bon Scott. Gran parte de la belleza de Powerage proviene de los maravillosos retratos de Bon Scott de hombres decepcionados y desesperados, llevados al límite por el amor perdido y los bolsillos vacíos. Tan seguro como podía ser, Scott siempre tuvo afinidad por los rotos y magullados; ese tipo con agujeros en los zapatos, agujeros en los dientes y parches en los parches de sus viejos vaqueros azules, y Powerage es una celebración de la fortaleza frente a los reveses que aplastan el alma.

Sin embargo, lo más importante es que en el corazón del álbum siempre hay esperanza, siempre hay un atisbo de cielo azul para los que se encuentran en la cuneta, como demuestra Sin City, un glorioso «jódete» al destino, un desafiante último hurra frente a las crueles probabilidades. Después de Powerage, AC/DC se volvería más ruidoso, más elegante y más grande, pero nunca volvería a mostrar tanto corazón, alma y humanidad.

 

 


 

7. The Beatles: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band

Para la generación que conoció a los Beatles de primera mano, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band no sólo fue el mejor álbum de los Beatles, sino también el mejor de todos los tiempos. No había habido nada parecido antes: una especie de álbum conceptual, nacido de un experimento en el estudio, y que llevó a la música grabada donde nunca antes había llegado. Su reputación dominó la visión popular y crítica de los Beatles durante casi 20 años, hasta que la llegada de los CD y la renovada popularidad de los discos de los Fabs, como el White Album y, sobre todo, Revolver, desvió la balanza de Pepper.

La gente empezó a decir que con Penny Lane y Strawberry Fields Forever cosechados como singles, al Sgt. Pepper le faltaban grandes canciones (aparte de With A Little Help From My Friends y A Day In The Life). Decían que había mejores canciones e igual grado de experimentación en Revolver, cuya concisión y, bueno, ausencia de 1967, lo hacían atractivo para un público más moderno.

Pero el Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band tiene ya más de 50 años y sigue siendo un álbum brillante. Incluso sin todos los experimentos, las cintas lanzadas al aire, los clímax orquestales y el uso de músicos indios, se trata (en gran medida) de un conjunto de canciones extraordinarias. La introducción de Lovely Rita (y el inspirado grito de Paul McCartney «¡Rita!»); la calidez de With A Little Help; la espeluznante brillantez de A Day In The Life; la repetición del tema principal; la audacia de Within You, Without You; la rima interna de «and» y «grand» en When I’m Sixty Four.

La música rock cambió con el Sgt. Pepper y los Beatles también. Paul McCartney dijo una vez sobre su carrera en solitario que cada nuevo álbum era una reacción al anterior, y así fue con el resto de la carrera de los Beatles: el Álbum Blanco es casi un polo opuesto a Pepper, con su portada sencilla y sus canciones a medio producir. Nunca volvieron a hacer nada parecido a Pepper (aunque el reempaquetado del EP Magical Mystery Tour como álbum fue un intento de clonarlo). Sería injusto esperar que lo hicieran. Este es el álbum con el que se miden todos los demás.

 

 

 


 

6. Queen: A Night At The Opera

Las discusiones todavía son fuertes. «¡Queen era una banda de singles!», dirá alguien. «¡Como The Kinks, The Who y ELO! Eso no los convierte en una mala banda, ¡en absoluto! Pero Greatest Hits I & II – esos son sus mejores álbumes…»

No los escuches. Queen eran perfeccionistas. Claro, ellos dominaban el single. Famosamente, son la única banda donde cada miembro escribió un single número 1. El bajista John Deacon escribió Another One Bites The Dust, el baterista Roger Taylor escribió Radio Ga Ga, el guitarrista Brian May esculpió We Will Rock You con la mejor arcilla del rock, y el líder Freddie Mercury escribió la canción más famosa de A Night At The Opera – posiblemente la canción más famosa de todo el rock – Bohemian Rhapsody.

A Night At The Opera no fue realmente el lugar donde encontraron sus pies -el año anterior, Sheer Heart Attack fue donde su escritura de canciones realmente se hizo realidad-, pero fue el álbum donde el público finalmente se puso al día, gracias a la mejor tarjeta de presentación de todos los tiempos, en Bo Rhap. Advertido por todo el mundo, incluido su amigo y DJ Kenny Everett, de que, con seis minutos, era demasiado larga para la radio, Everett la puso 14 veces en su programa de radio ese fin de semana. Un DJ estadounidense siguió su ejemplo y, de repente, la compañía discográfica se sintió obligada a publicar una canción que consideraba un suicidio comercial.

«Simplemente somos muy diferentes», dijo Mercury a Harry Doherty de Melody Maker en aquel momento. «Hacemos las cosas con un estilo muy diferente al de los demás. Hay literalmente decenas de canciones que han sido rechazadas para este álbum. Si a la gente no le gustan las canciones que estamos haciendo en este momento, nos importa un carajo».

 

 


 

5. Led Zeppelin: IV

Por su impacto, inmediatez, concisión, resistencia, influencia y Zepismo intrínseco, Led Zeppelin IV es insuperable. De todos sus discos, el cuarto álbum de Led Zeppelin, publicado a finales de 1971, sigue siendo su obra más admirada. Desde los riffs intachables de Page, pasando por la invención musical de Jones y la claridad vocal de Plant, hasta ese titánico sonido de la batería de John Bonham, IV (a veces denominado «Four Symbols») sigue emitiendo una frescura que desmiente su edad.

El machismo de Black Dog, la brutalidad impulsada por Bonham en Rock And Roll, la melosa y evocadora voz de Plant complementada por Sandy Denny en The Battle Of Evermore, la producción y el dinamismo de Stairway To Heaven, y eso es sólo la primera cara.

 

Y hablando de influencias: después de definir prácticamente el metal y el folk-rock, el bis de IV fue proporcionar involuntariamente al hip-hop la fuente de su breakbeat definitivo, When The Levee Breaks.

El epíteto «apretado pero suelto» siempre ha descrito con precisión la estética de la banda. Los chirridos, las raspaduras y las fugas de los micrófonos no eran errores que debían corregirse en la ética de producción de Page, sino más bien ingredientes inherentes y característicos de la sensación. Combinado con el mayor sonido de batería jamás grabado en una cinta, IV se siente crudo y elaborado.

Ha sido amado y odiado a partes iguales, pero en ningún lugar se ilustra mejor la suprema comprensión de Page de la dinámica del rock que en Stairway To Heaven, con una canción que se burla y acaricia y luego llega al clímax con nada menos que el mejor solo de guitarra del mundo. No es oro todo lo que reluce. Pero esto lo es. Esto es lo que hemos venido a buscar.

 

 


 

4. Metallica: Master Of Puppets

El álbum más pesado del top 20 es el disco que transformó a la banda de héroes del thrash de culto en una gran fuerza del heavy metal, fácilmente la banda más importante de su generación en el género.

Master Of Puppets, el tercer álbum de Metallica, no sólo se considera con razón un clásico del metal de todos los tiempos, sino que algunos siguen creyendo que es el mejor álbum que ha creado la banda. Fue el primer álbum que Metallica sacó en Estados Unidos con un sello importante, Elektra (en el Reino Unido y Europa seguían firmando con Music For Nations), y fue el último en el que participó Cliff Burton, el bajista murió trágicamente durante la gira posterior de la banda.

Es difícil sobrestimar la importancia de este álbum no sólo para Metallica, sino para el metal en general. Mark Tremonti, de Alter Bride, dice: «Cuando escuché los primeros compases de Battery, me quedé boquiabierto. Todo el álbum me convirtió en un creyente. Me gustó que fuera pesado y brutal en algunos momentos, pero que fuera tan hermoso en otros. Y me encantaba la forma en que hacían sus versiones limpias con los dedos e influidas por la música clásica y luego te golpeaban en la cabeza con la guitarra eléctrica en el estribillo. Era como un concierto de heavy metal; casi como si Bach hubiera bajado y ayudado a una banda de metal a escribir un álbum increíble».

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Estructuralmente, Master Of Puppets imitaba el formato de su predecesor, Ride The Lightning, pero aquí las ideas de Metallica estaban más desarrolladas, su confianza en sus propias habilidades era más pronunciada. Master Of Puppets es a la vez intransigente y sin concesiones, la obra de unos hombres ahora totalmente convencidos de su propio destino.

 

 


 

3. AC/DC: Back In Black

Había un poderoso significado en ese título, y en esa portada no más negra. El 19 de febrero de 1980, Bon Scott, cantante de AC/DC, fue encontrado muerto en un coche aparcado en East Dulwich, al sur de Londres. La noche anterior había estado en el barrio londinense de Camden, viendo grupos musicales y bebiendo hasta caer en el olvido. En el camino de vuelta a casa, se puso en tal estado que su acompañante no pudo despertarlo y lo dejó en el coche. No volvió a despertarse. «Intoxicación alcohólica aguda», decía el certificado de defunción. «Muerte por infortunio». Bon Scott tenía 33 años. El anterior álbum de AC/DC, Highway To Hell, había superado el top 20 en Estados Unidos. Después de años de trabajo en bares australianos, y luego en el circuito de conciertos del Reino Unido, la banda parecía estar al borde del éxito.

Sin embargo, contra todo pronóstico, se reagruparon rápidamente, decidiendo que Bon lo quería así. Rápidamente se organizaron audiciones para buscar un nuevo cantante (eligieron a Johnson después de que alguien recordara que Bon Scott hablaba maravillas del cantante del one-hit wonders Geordie) y, seis meses después, publicaron Back In Black. El guitarrista Angus Young describió Back In Black como «nuestro homenaje a Bon», pero se convirtió en mucho más que eso. Back In Black, el álbum más vendido de la carrera de AC/DC, es la madre de todos los discos de regreso y posiblemente el mejor álbum de hard rock de todos los tiempos.

En el álbum anterior, Highway To Hell, Mutt Lange había pulido el sonido del grupo y lo había hecho más comercial sin perder su identidad principal. You Shook Me All Night Long ilustra a la perfección la capacidad de Lange para aportar una sensibilidad pop totalmente aceptable a una banda de hard rock, ya que ayuda a la banda a ofrecer una melodía ganadora de «brazos alrededor del hombro de tu mejor amigo».

Tiene muchas canciones clásicas: Hells Bells, Rock and Roll Ain’t Noise Pollution, Shoot To Thrill, What Do You Do For Money Honey (una canción que data de las sesiones para el álbum Powerage de 1978) y, por supuesto, la genial canción que da título al disco, construida sobre un riff que suena como el blues si fuera deconstruido por Satanás y luego reconstruido por Tony Stark.

 

 


 

2. Guns N’ Roses: Appetite For Destruction

 

Appetite For Destruction es uno de los mejores discos de todos los tiempos, y uno de los más grandes -el álbum de debut más vendido de la historia- con más de 30 millones de ventas en todo el mundo. Revolucionó la música rock a finales de los años 80 y convirtió a Guns N’ Roses en superestrellas, y su éxito es aún más sorprendente si se tiene en cuenta el caos en el que se creó.

Pero en el corazón del álbum había un núcleo de canciones realmente grandes: En muchos sentidos, Welcome To The Jungle es la canción definitiva de Guns N’ Roses, y una apertura del álbum que -desde las primeras palabras de Axl, «Oh my God»- advierte al oyente en términos inequívocos que será mejor que se abroche el cinturón para el camino que le espera. Detallando las primeras impresiones del chico de Indiana, Rose, con los ojos bien abiertos de Los Ángeles, esta fue la primera canción que Slash y Axl escribieron juntos, y sigue siendo la declaración definitiva de la arrogancia intrépida y temeraria de los Guns. It’s So Easy fue el primer single de Guns en el Reino Unido, una introducción gruñona e hirviente que te invitaba a acercarte a estos odiosos, agresivos y misóginos de mierda. No es el tema más sofisticado de la banda, pero ninguna otra canción de los primeros Guns es tan amenazadora.

Y si gran parte de Appetite Of Destruction declara que Los Ángeles es un agujero de mierda sucio, depravado y peligroso, Paradise City es el punto culminante del álbum: una admisión de que Guns N’ Roses no querría estar en ningún otro sitio. El primer sencillo del quinteto en el Reino Unido que alcanzó el Top 10, su melodía simplista y cantarina es posiblemente demasiado ansiosa por complacer, aunque la canción podría haber tenido menos atractivo global si la banda no hubiera cambiado su letra original: «Llévame a la ciudad del paraíso, donde las chicas son gordas y tienen grandes tetas». El toque de guitarra de Slash, por su parte, transforma el conjunto en un Born To Run sleaze-rock, todo riffs merodeadores y solos elegíacos.

Mr. Brownstone, You’re Crazy, Out Ta Get Me: el álbum rezuma mala actitud y está plagado de grandes frases (‘I used to do a little, but a little wouldn’t do, so the little got more and more’, ‘Some people got a chip on their shoulder/An’ some would say it was me’, ‘Welcome to the jungle it gets worse here everyday/You learn to live like an animal in the jungle where we play’).

Y en Sweet Child O’ Mine, Guns N’ Roses tenía un arma secreta: una hermosa balada rockera inspirada en los iconos del rock sureño Lynyrd Skynyrd. A Slash no le gustaba mucho la canción al principio, ya que la tachaba de «ñoña» y su propia melodía de guitarra principal era «este estúpido riff». Sin embargo, encabezó la lista de éxitos en Estados Unidos durante dos semanas en septiembre de 1988, encabeza regularmente las encuestas para encontrar el mejor solo o riff de guitarra, y sigue siendo la canción más querida de la carrera de Guns N’ Roses.

Appetite For Destruction llegó en plena era del hair metal y nació de la escena rockera de Los Ángeles, pero sus raíces se encuentran en la gran música rock de los 70: en Aerosmith, Led Zeppelin, AC/DC y los Sex Pistols. Es el álbum más reciente en el top 10 y es comprensible: ¿ha hecho alguien un disco de rock’n’roll mejor desde su lanzamiento?

 

 


 

1. Pink Floyd: Dark Side Of The Moon

Es difícil exagerar la influencia de Pink Floyd como fuerza definitoria de la cultura del rock. Y no se trata sólo del número de discos que han vendido. Se pueden enumerar páginas de estadísticas sobre el éxito de The Dark Side Of The Moon, pero eso no explica por qué ese álbum -tanto la música como la propia portada- de 1973 se convirtió en un icono para una generación. O por qué Pink Floyd se convirtió en un fenómeno que ha afectado a todas las generaciones desde entonces.

La respuesta es que han hecho una de las músicas más sorprendentes y singulares del rock. Puede que los punks odiaran a la banda y lo que a menudo percibían (erróneamente) que representaban, pero la bilis de Pink Floyd contra el sistema era a menudo tan venenosa como cualquier cosa que los punks pudieran escupir.

Es un disco que une a la gente, que gusta tanto a los metaleros como a los rockeros alternativos. «Es el disco perfecto», dice Neil Fallon de Clutch. «Creo que The Dark Side Of The Moon es uno de los discos que hemos escuchado tanto que tendemos a hacernos un poco sordos, pero es perfecto. La letra coincide con la música y la música con la letra. Recuerdo haberlo escuchado también a una edad muy temprana, y fue uno de los primeros discos con los que recuerdo haber cerrado los ojos. Todavía lo hago a día de hoy, lo que dice algo».

Dark Side, uno de los álbumes de rock más consumados jamás grabados, fue un concepto ambicioso y rompedor que se ha convertido en un clásico atemporal. Su temática gira en torno a las presiones de la vida moderna y la locura que puede provocar, y el sonido dinámico refuerza las imágenes contrastadas de las canciones, desde la paranoia de On The Run hasta el seductor réquiem que es The Great Gig In The Sky, una sensible contemplación de la muerte que acaba en un lugar que nunca esperarías dados los bonitos teclados que Richard Wright aporta al primer minuto de la melodía. La cantante de sesión Clare Torry suelta de repente una voz sin palabras desde algún lugar inexplorado y profundo de su alma, bueno, ya no estás en Kansas.

El impacto se ve reforzado por los efectos sonoros de enlace, a menudo integrados en las canciones: un latido del corazón, la cacofonía de los relojes al principio de Time y el tintineo de los altavoces con monedas que abre Money. Waters decidió que el álbum necesitaba «una obertura» y «jugué con los latidos del corazón, los efectos de sonido y los gritos de Clare Torry, hasta que sonó bien». Así nació Speak To Me. Desde ahí hasta el último tema, Eclipse, el oyente se embarca en un viaje.

«La música crece, se hace más grande», dijo Rick Wright. «La elevamos más y más. Si ignoro la depresión de las palabras, cosa que tiendo a hacer, creo que hay esperanza en ella, por la música».

Y la hay. A día de hoy, TDSOTM tiene una belleza y una vitalidad que todavía tiene el poder de emocionar.

 

 

 

 

Personalmente echo de menos alguno más de The Rolling Stones y de Queen, pero estos son los resultados que la web del magazine Classic Rock ha realizado entre sus visitantes.

 

Fuente: loudersound.com

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